El beso (Gustav Klimt)

Identificación
-El beso, o, también conocido como ''Los amantes''.
-Gustav Klimt.
-1907-08.
-Museo Österreichische Galerie Wien.
-180 x 180 cm.

Lectura formal
-Pintura de la técnica óleo sobre lienzo.
-Está pintada sobre un formato cuadrado.
-Es una obra figurativa, ya que podemos apreciar con claridad el elemento principal de la obra, es decir, los dos personajes. El fondo, si es abstracto, ya que no se distinguen formas en el.
Los personajes se encuentran situados en un fondo, cuyo color predominante es el marrón, y el dorado en menor cantidad. La pareja, compuesta de un hombre y una mujer, se encuentra abraza, al borde de un precipicio repleto de flores.
El hombre, es díficil interpretar su postura, ya que no se puede apreciar si está de pie, o de rodillas. Es de tez oscura, con cabellos castaños, en los que luce una corona de flores. Su rostro no es visible, debido a que mantiene la cabeza girada, besando la cara de la mujer, mientras le sujeta el rostro.
Viste con una larga túnica, de color oro, con detalles geométricos, como rectángulos negros, blancos, grises... en representación de símbolo fálico, es decir, semejanza con el órgano reproductor masculino; en la vestimenta de la mujer se puede observar similitud respecto al color, es decir, un vestido de color oro, ceñido al cuerpo, el cual, deja descubierto el brazo y parte de las piernas. Tiene detalles geométricos, en forma circular, los cuales podrían representar, en este caso, el órgano reproductor femenino. La mujer, se encuentra arrodillada de espaldas al precipicio, sobresaliendo sus pies en el borde, a modo de sujeción. Se muestra tranquila, mostrando afecto hacia el hombre, de manera que su mano izquierda sujeta la mano que el hombre mantiene sobre su cara, la cual, se encuentra reclinada hacia atrás, con la cara girada hacia el espectador, mientras mantiene los ojos cerrados. La otra mano, derecha, se encuentra agarrando el cuello del hombre.
La mujer es de tez pálida, labios color carmín, pelo castaño, más claro que el del hombre, en el que podemos apreciar una corona de flores.
-Podemos distinguir formas geométricas, como rectángulos, circunferencias, situadas en la vestimenta de los personajes, interpretados como símbolos fálicos, anteriormente explicados en la lectura formal.
Encontramos formas orgánicas, en las flores del suelo, colocadas de manera azarosa en la pequeña porción de pradera que podemos apreciar.

-Los elementos más importantes de la obra son los dos personajes, situados al borde del precipicio de manera ordenada, transmitiéndonos una sensación de armonía.

Es una obra asimétrica, debido a que el peso recae en el centro de la obra, dejando casi el mismo espacio en ambos lados laterales.
-Se utiliza una gama de colores bastante variada, aunque predomina el color oro, el cual, irradia luz por todo el cuadro.
Podemos encontrar el fondo, de colores neutros, como el marrón, y por otro lado, pequeños detalles de color oro.
El personaje masculino, tiene un tono de piel cálido, al contrario que la mujer, la cual, posee un color pálido, grisáceo.
En el prado, el color predominante es el verde de las hierbas, en conjunto con tonos rojizos, oros... que dan color a las flores situadas de manera azarosa entre las hierbas.

Lectura Contextual

Esta obra de Gustav Klimt se basa en su propio estilo, personal, en el cual muestra, al igual que en la mayoría de sus cuadros, la figura femenina, en este caso, en posesión de ropa, y no desnuda, como solía pintar a las mujeres normalmente.

En este caso la joven, físicamente, tiene varias cualidades admiradas por Klimt, como por ejemplo un cuerpo delgado, pálida...

Fue considerada una obra de símbolos propios de la secesión, una asociación formada por artistas de artes visuales en Austria, aunque este grupo, ya se había separado, desechaban la idea sobre la pintura conservadora, pretendiendo innovar

A lo largo de la carrera de Klimt, repite esta temática en muchas de sus obras, como por ejemplo, en obras como: El Friso de Beethoven, Amor, Filosofía...

Friso de Beethoven

En la obra de El beso, la complexión fuerte del hombre, y su actitud de dominio, podrían indicar, según especialistas, que la obra podría tratarse de un autorretrato, en compañía de su amiga Emilie Flöge. La hermana de está, llamada Helene, estaba casada con el hermano de Gustav Klimt, Ernest Klimt. Junto a Emilie pasó numerosos veranos en una casa que esta poseía junto al lago Atter, el cual, pudo servirle como inspiración para sus paisajes.

Una de las características destacadas de esta obra, es la utilización en exceso del pan de oro, el cual reparte por toda la obra, en el fondo, las flores, y sobretodo, la ropa. Esta inspiración proviene del que algún día, fue el trabajo de su padre, cincelador de metales nobles, como plata, oro...

Otro detalle que podemos observar, es la utilización de coronas de flores, las cuales coloca en el pelo de la mujer, aunque en este caso, también podemos apreciarla en el cabello del hombre.

Seguimos con la utilización de figuras geométricas, formas abstractas, que Klimt, plasma en todas sus obras, destacando, obras calificadas como pornográficas.

De nuevo, podemos observar como Klimt, se inspira en otra obra del famoso escultor y amigo, Rodin. La escultura, también llamada El beso, muestra a una pareja, que como su propio título indica se están besando, sentados sobre una especie de roca; la mujer de la escultura, al igual que la de la pintura se estrechan contra el hombre en un leve abrazo, posando el brazo sobre el cuello del hombre.

Lectura Temática

Es una escena antinatural, debido a la posición forzada que toma la pareja, en la que el ejerce la autoridad, y la mujer es pasiva, el espacio del fondo, que no nos permite averiguar datos del lugar dónde se encuentra el prado, la tonalidad dorada cegadora...

Sige los cánones del Simbolismo, ya que utiliza colores fuertes, pasteles, difusiones de color… para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Utilizando este estilo podría pretender expresar su estado de animo, emociones… Y plasmar su mundo de sueños y fantasías.
Se ha llegado a considerar, como tema principal del cuadro una lucha femenina por liberarse del machismo que se daba en la época; Amor es otro cuadro de Gustav Klimt en el que se puede apreciar el poder ejercido por el hombre sobre la mujer, la cual, se muestra sumisa al hombre.

Nacimiento de Venus (Sandro Botticelli)

Identificación
- Nacimiento de Venus.
- Sandro Botticelli.
- 1484.
- Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
- 184'5x285'5 cm


Lectura Formal
- La obra que vamos a describir a continuación, es una pintura de temple sobre lienzo.
- Está pintada sobre un formato rectangular.

- La obra que paso a describir, es figurativa, debido a que todos sus elementos son claramente distinguibles.
El elemento principal de la obra es la diosa Venus, la cual, podemos apreciar en la parte central del cuadro. Se encuentra emergiendo en una concha rodeada de pequeñas olas y remolinos, de un mar color verdoso.

A la izquierda se encuentran otros dos personajes. Uno de ellos, Céfiro (Dios del viento del oeste, mensajero de la primavera).

Cloris Ninfa de la brisa, esposa de Céfiro a quienes los romanos llamaron Flora.

La diosa Venus, se encuentra desnuda, de pie en la concha. Su posición muestra retraimiento, ya que se cubre con la mano derecha gran parte de su busto, dejando ver uno de sus pechos. Con la otra mano, sostiene su larga cabellera rubia ondulada, sujeta por una cinta, para torpemente tapar sus genitales, los cuales, estaban prohibido mostrar si poseían vello.
Su rostro posee una expresión serena, con la mirada pérdida, mientras que el viento mueve su pelo. Tiene los ojos claros, color miel, tez pálida y labios de un tono rosado.

El tono pálido de su piel podría recordarnos a una estatua, debido a su color marfil y su firmeza.
Se encuentra en una postura curvada, depositando el peso de su cuerpo en la pierna izquierda, mientras levemente mantiene levantado el pie derecho, en una leve flexión de rodilla.

Céfiro y Cloris, se encuentran abrazados fuertemente, lo que podría simbolizar la unión entre la materia y el espíritu. A su alrededor caen flores debido al soplo de aire procedente de sus labios.
Se encuentran desnudos, cada uno de ellos con un manto anudado al cuello, el cual tapa sus genitales, y un pecho de Cloris.
Ambos tienen una larga cabellera rizada; Céfiro castaña y Cloris rubia. Tienen la tez pálida y poseen alas en sus espaldas.

A la derecha del cuadro, podemos observar una de las Horas, es decir, según la mitología, las Horas eran las diosas de la naturaleza, y las estaciones del año.
En este caso, podría ser la Primavera, ya que pensaban que esta era la estación del renacer.
Llevaba un largo vestido blanco, de motivos florales, rodeando su cintura, se encontraba un cinturón de flores y en su cuello tenía una especie de guirnalda de mirto, lo que podría significar que la planta era símbolo del amor eterno
Primavera esperaba a la diosa Venus en la playa, para taparla con un manto rojo de motivos florales.

El fondo del cuadro es un bello paisaje, en el que se puede apreciar la amplitud del mar perdiéndose en el horizonte, en unión con el mar, y a la derecha se encuentran varias calas detrás de Venus, y detrás de Primavera, un gran árbol que podría pertenecer a un bosque de naranjos en flor perteneciente al jardín sagrado de las Hespérides (Ninfas hijas del atardecer que custodiaban el jardín).
El significado de los naranjos podría hacer referencia a la familia Médicis. (Al igual que en el cuadro Primavera, se representa una escena dónde aparecen los naranjos en flor.)

- Podemos distinguir formas geométricas, ovaladas en los rostros de los personajes de la obra, formas curvilíneas en sus cuerpos.Formas orgánicas en las porciones de tierra que se pueden apreciar en el fondo, en la ropa, en la concha en la que se encuentra Venus... Formas estructuradas en el propio cuerpo.Elementos colocados de manera azarosa, podrían ser las hojas de el árbol que se encuentra a la derecha, el motivo floral del vestido de Primavera, mechones del cabello de los personajes...
-Los elementos más destacados de la obra se encuentran ordenados horizontalmente, de manera que a la izquierda queda la pareja, en el centro, la figura más importante (diosa Venus), y en el lateral derecho la Primavera. Podemos percibir una sensación de movimiento ocasionada por las posturas en la que se encuentra la pareja, volando en el aire, el soplo de aire procedente de sus bocas empujando flores hacia Venus... El movimiento del cabello de Venus ocasionado por el soplo de aire, las olas del mar, el movimiento de brazos de la Primavera para cubrir a Venus con el manto....

Es una imagen bastante simétrica, debido a que entre cada personaje podemos apreciar casi un mismo espacio de separación, y el peso, podemos apreciar, que levemente recae en el lateral derecho, pero, aún así, sigue siendo una imagen bastante asimétrica.
-La gama de colores es muy variada, contrastando colores fuertes con colores apagados, al igual que fríos y cálidos.
Para el árbol utiliza tonos de verde oscuro, con reflejos dorados. El cielo, es de un azul claro, en su parte superior con tonos más oscuros, al contrario, la parte inferior posee colores más claros, que se contrastan con el color del mar, el cual, posee una línea en el horizonte de color oscura separando cielo y mar. Este último es de un color azul claro, con partes blanquecinas, olas de tonos claros, blancos... en contraposición al tono oscuro, verde, y en partes, amarillo, de la costa, y de la porción de tierra que se adentra en el mar, formando calas. En el lugar, del que emerge la concha del mar, este se vuelve de tonos neutros, negros, azules oscuros, creando una leve espuma de tonos grisáceos, esta oscuridad proyectada en el mar, es la sombra del árbol anteriormente mencionado.

La primavera, posee un color de pelo rubio, tez pálida, vestido color blanquecino, y el manto, color rojo, con motivos verdes, al igual que los adornos que decoran su cuerpo.
La Venus, posee un cuerpo de color marfil, pelo rubio con reflejos castaños, ojos claros, color miel, labios rosados... La concha en la que se encuentra es, al igual que su piel de color marfil, con sombras de tonos neutros, como el gris. La parte de la concha que se encuentra sumergida en el mar, podemos apreciar, debido a una pequeña parte que queda en la superficie, un color amarillo, desgastado.
Céfiro, tiene un tono de piel más sonrosado, de cabellos castaños, recubierto de un manto de tono neutro, gris, y sombras de color moradas, y lugares más iluminados, adquieren un color más claro. Sus alas son neutras, marrones, con algún reflejo de claridad.
Por último, en la pequeña parte de Cloris que podemos apreciar, se puede observar un tono de piel pálido, cabellos rubios, manto color café, y unas alas iguales a las de Céfiro, sólo que poseen una tonalidad más clara. Respecto a las flores que llueven sobre Venus, son rosas blancas, con algún leve reflejo rojo.

Lectura Contextual

Estilo

El nacimiento de Venus, es una pintura perteneciente al estilo artístico del Quattrocento, debido a que se desarrolla en el siglo XV. También conocido como Renacimiento, el cual se basaba en un movimiento surgido en los siglos XV y XVI. Fue una época marcada por avances en el campo de las artes.
Surge de autores italianos, como por ejemplo, el propio Botticelli que pretendía abordar otros temas como la mitología, y dejar atrás la religión, plasmada en todos los aspectos de la vida, como libros, y demás pinturas anteriormente creadas. Es decir, se dejó atrás el teocentrismo de la Edad media, en el que se pensaba que Dios era lo más importante, y se adopta una actitud de antropocentrismo, los hombres empiezan a centrarse en ellos mismos, sus propios sentimientos y deseos... Por lo que se crea una nueva forma de ver el mundo.
Sandro Botticelli fue uno de los artistas comprometidos al desarrollo de nuevas técnicas de pintura, escultura...
Verrocchio, fue un importante escultor, orfebre y pintor del Renacimiento italiano, el cual, trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Este tuvo como alumno y Sandro Botticelli, el cual se vio inspirado en el estilo clásico del primer renacimiento. Otro de los artistas, por el cual Sandro, se formo e insipiró para su obra, fue Fra Filippo Lippi, el cual comenzó su trayectoria artística con obras de temas religiosos, en especial, vírgenes, como la Virgen del Rosal.
A este mismo periodo también pertenecen La adoración de los reyes magos y el Díptico de Judit, obras muy importantes de Botticelli.

Debido a su gran prestigio en 1481, fue contratado en Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes pintores. Cuando regresó a Florencia creó obras como la Natividad mística, basada en una visión de acontecimientos predispuestos por las profecías del Apocalipsis.

Una de las características propias pertenecientes a las obras de Botticelli, sería el plasmar largos cabellos, en símbolo del erotismo, el cual añadió de manera exagerada a su obra de Venus, en la cual se muestra la diosa cubriéndose los genitales con el cabello. Botticelli, pudo verse inspirado en estatuas Helenísticas, como la Venus de Milo.

Por otra parte, se piensa que Botticelli tenía un prototipo de belleza basado en la tez pálida, larga cabellera rubia... Ya que se han podido apreciar, en muchas de sus obras, como por ejemplo, La calumnia de Apeles, como ejemplifica a este prototipo de mujer.

Otras posibles suposiciones que llevaron a Botticelli a inspirarse para crear a la diosa Venus, fue Simonetta Vespucci, una musa italiana del renacimiento, familiar de Américo Vespucio, acompañante de Cristóbal Colón en su viaje cumbre, en el cual descubrió el Nuevo Mundo, América. Simonetta, tenía un rostro muy similar al que Botticelli solía representar en sus vírgenes, era joven, de boca cerrada y ojos claros...

Función

El Nacimiento de Venus, fue un encargo por parte de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino del conocido Lorenzo el magnífico, príncipe de Florencia perteneciente a los Médicis Cagaggiolo, una familia influyente y poderosa de Florencia, de la cual, los hijos de Lorenzo, se forman como Papas, dirigentes de Florencia, miembros de las familias reales de Francia e Inglaterra... Fue encargada para adornar Villa di Castelló, la cual estaba situada en la campiña florentina


Tema

Botticelli innovó dejando atrás temas religiosos, y comenzó a plasmar temas mitológicos. En este caso, plasma a la diosa Venus, diosa del amor, en cuya leyenda, se cuenta que nació de los genitales del dios Urano, los cuales fueron cortados por su hijo Crono, como manera de vengarse, por el daño ocasionado a su madre, Gea. Tras haber cortado sus genitales los arrojó al mar. El título de esta obra, no es acorde con sus características, ya que se puede apreciar momento de la llegada de Venus, sobre una concha, a una playa procedente de alguna de las islas que más culto se le dedicaban, como Citerea, Chipre...

Ha sido un cuadro interpretado como uno de los máximos exponentes del neoplatonismo, un sistema filosófico que nació en Alejandría, siglo III. Es una obra, que simbólicamente representaría el nacimiento de la Venus Humanitas, es decir, la armonía, unidad... Plasmada entre los tres elementos, tierra, aire y mar. Un tema, comúnmente tratado en el Renacimiento por los artistas, fue el seguir los mandatos de Platón, en los que se decía que el ser humano tendría que buscar la unión de amor, belleza y verdad; cualidades encontradas en la figura de la Venus.