ORDEN DÓRICO

El templo de Segesta, se encuentra situado, como su propio nombre indica, en la ciudad de Segesta (actualmente provincia de Trapani), en una colina de la antigua ciudad de Sicilia, alrededor de 430-420 a. C.  
Es un templo dórico, construido en piedra, períptero con columnas de 6×14 sobre una base 21×56.
Podemos apreciar como el templo está inacabado, y se encuentra desgastado por el paso del tiempo.
No posee tejado, y sus grandes columnas se encuentran sin tallar, es decir, no estan estriadas, y se encuentran colocadas de manera ordenada formando un peristilo que da forma rectangular al templo. Es perfectamente simétrico, los elementos estan enclavados en su sitio justo, habiendo igual número de columnas en cada extremo.

Las principales características del orden dórico serían:
Las órdenes arquitectónicas griegas se diferenciaban, principalmente, por el estilo de sus columnas.
Las columnas dóricas son sobrias y corpulentas, no disponen de basa. 
El fuste está estriado de manera vertical. El capitel carece de elementos decorativos, estaba formado por el equino, una superficie cuadrada, y debajo está el ábaco, una superficie redonda. El capitel se encuentra situado entre el fuste y el arquitrabe, este último es una viga lisa colocada de manera horizontal encima de los capitales, con sus respectivas columnas. 
El tímpano y arquitrabe se encuentran intactos situados en su lugar. No dispone de nave, ni techo.

El friso, situado encima del arquitrabe posee las metopas (sin esculturas) y entre cada una de ellas, se alternan los triglifos. 

Es monocromo, debido a que no posee pigmentación alguna, unicamente el color del material con el que está construido, piedra.

 Fue construido por la gente de Elimia. Estaba destinado al culto de diferentes dioses, pero no fue posible debido a que nunca pudo ser acabado a causa de las guerras con Selinunte.
 

Diseño - Ejercicio 2

 

Diseño - Ejercicio 3

Por amor al arte - Cres y Nach

[Cres>
Compara boli a pincel, tinta dibujada en papel,
firme de base, fuste y capitel,
en un lienzo alineado, micro perforado,
escrituras en piedras de retablo o en crucerías de artesonado!
Con más formas que Pablo Ruiz, Braque, Gris o Leger,
sin duda el arte actual como el rap no es lo que era ayer
pero se conserva la esencia.
A falta de medios la creatividad es el mejor remedio. ¡Piensa!
Pienso las cosas mas que el bronce de Rodin
exilio a algún lugar exótico como Gauguin,
busco la inspiración en Soul Supreme o 9th Gonder
¿cuanta gente crea? ¿Cuántos calcan? imitan, copian, plagian
se contagian de algo único, yo con un micro o con tinta hago magia
De mi paleta salen auténticas obras,
y eso que mi cabeza aun esta en obras
Tú sobras porque no te conformas con nada y sin criterio nos criticas,
siento desesperación como el Guernica.
Grita el expresionista, se raya el surrealista,
y el plástico si escupe del ático este liricista
De las pirámides de Egipto a los circos de arena de Roma
de ruinas de Lucentum al MOMA,
del clásico Miguel Ángel a Jackson Pollack,
de Dj Kool Herc a Kase O y los que se incorporan.


[Nach>
Hiperrealismo, entre las luces y sombras de estas hondas,
duras de definir como el gesto de la Gioconda
Inspiración nocturna y me despido de Morfeo.
Lírica insomnia, jardines en Babilonia creo.
No hay prados en mi museo, solo asfalto.
Pinto laberintos y me aparto del jaleo.
¿Te motiva la competi? Yo en mi mausoleo
prefiero la soledad frágil de Giacommeti. Hoy rapeo
sin días grises que me pisen,
con mas arte que los Thyssen, elaboren no improvisen
Sigan la disciplina de la escuela lucentina
y su obra rozará la eternidad de la capilla sextina
De momento elaboro estructuras como Kandinsky,
mientras me bebo un whisky a la salud de Charles Bukowsky.
Y a solas con el bajo me relajo,
yo, el rap no trajo la cultura popular, lo hizo Andy Warhol
Mi poesía arde, decidle a Machado que arde
me habré marchado con textos manchados de sangre
Sudor y sonrisas, escribiendo sin prisa
estos renglones torcidos sin haber nacido en Pisa
Del Mudéjar a la Bauhaus, del Partenon al Louvre
Siente lo existencial de una instrumental de Stoupe
Y aunque creen que nos conocen escuchan y se corroen,
Nach y Cres en esta mierda son los hermanos Coen.


[Estribillo>
Lo hacemos por el arte, lo hacemos amor
somos estandartes de esta decisión.
Creación, precisión…Yo sigo a la mía,
lienzos del día a día viva inspiración nos guía.

Lo hacemos por el arte, lo hacemos por amor,
sabemos que no sabemos hacer nada mejor.
Ah, las calles son galerías durante todo el día,
nosotros tenemos nuestro propio taller de artesanía.


[Cres>
Mi familia es sagrada, aunque bastante moderna por cierto
pero yo suelo acabar todo lo que empiezo,
pieza! Escucha y aprende, defiende como cristianos
en torretas de castillos románicos…
Y duran, perduran como el arco de herradura en el sur
o el apuntado en el gótico en monumentos eclesiásticos…
es solo un tour por el museo de la mente…
de la mía, solo en parte y te hago de guía.
Chillidos no; ¡Chillida! no hay límites aunque haya rumores
¿si me atrapo? Busco la luz como los girasoles
Mezcla transiciones en canciones, buenas conexiones
con Nach, fabricantes de piezas como Tony Touch.
Don’t touch. Por favor, se ruega no tocar
ni fotografiar por el posible deterioro
que pueda causar el flash de las cámaras en el canvas,
o sea el lienzo, o el interior de San Lorenzo.
Somos grandes como Keops, Kefrén y Micerinos
y en los momentos de inspiración no dormimos
mimo hasta el último detalle, como Toulouse Lautrec
con bailarinas de Ballet, no! Como Manet que me impresiona mas!
Y es que pintamos y esculpimos
construimos lo indescriptible en base a lo que sentimos
Somos la mezcla de Art Nuevou y Renacimiento…
del Hip Hop, admira el paisaje con detenimiento.


[Estribillo>
Lo hacemos por el arte, lo hacemos amor
somos estandartes de esta decisión.
Creación, precisión…Yo sigo a la mía,
lienzos del día a día viva inspiración nos guía.

Lo hacemos por el arte, lo hacemos por amor,
sabemos que no sabemos hacer nada mejor.
Ah, las calles son galerías durante todo el día,
nosotros tenemos nuestro propio taller de artesanía.

Diseño - Ejercicio 1

El peine del viento (Eduardo Chillida)

Identificación

Esta obra creada fue creada por Eduardo Chillida. Se encuentra en un extremo de la bahía de la Concha, al final de la playa de Ondarreta, en San Sebastián, País Vasco (España). Comenzó en 1952 y fue acabada en 1976.

Lectura Formal

Es una obra compuesta por tres esculturas de acero, incrustadas en unas rocas situadas en el mar Cantábrico.

Está hecha de acero, oxidado por el paso del tiempo, agentes atmosféricos... Y mayormente, el desgaste ocasionado por el fuerte oleaje que suele azotar las esculturas.

Es una obra abstracta, puesto que la obra procede de la imaginación del artística, además de no reconocer ningún elemento de la composición. 

Puede ser clasificada como una escultura en relieve alto, ya que se encuentra fijada a una superficie de la cual, está prácticamente independiente.

La forma de la composición tridimensional, desde mi visión subjetiva, no transmite ningún tipo de movimiento, y como sensación, nos transmite quietud, debido a que la obra, no representa ninguna figura humana, o algo a lo que se le asocie el movimiento, sino que muestra la unión de varios hierros, a conjunto con las rocas, el paisaje... 

Las líneas de fuerza crean huecos, como podemos observar, el espacio se encuentra entre la obra, que forma una especie de garra, por denominarlo de alguna manera, la cual, da lugar al espacio libre, y permitiendo la visión del paisaje situado detrás de la figura.

Según la información encontrada, Chillida, pretendió crear un peine, como el propio nombre de la obra indica, que dejara pasar el viento entre sus barrotes de acero, poniendo de manifiesto la libertad y la fuerza que transmite el mar, el viento...

Podemos observar la presencia del desorden y la asimetría, ya que el peso de la obra está repartido por diferentes puntos, dando lugar a formas geométricas.

Es una obra monocroma, ya que la obra no posee pigmentación, únicamente, la del material utilizado, hierro. Por la actuación de los agentes atmosféricos, la obra a sufrido modificaciones en cuanto al color y la textura, es decir, se a oxidado, y descastado la superficie, dando lugar a lo que para el tacto, ahora es una superficie rugosa y áspera, al contrario que antes, la obra estaba pulida y lisa.

La obra, fue creada a partir del método aditivo, con un material metálico, en este caso, hierro. Este método consiste en añadir material, a partir del inicial, para así crear por medio de la técnica del moldeado, la forma final. Este método de moldeado, consiste en la utilización de un molde, en el que se vierte el hierro fundido a altas temperaturas, y este adopta la forma del recipiente que lo contiene, al solidificarse.

Lectura contextual
Eduardo Chillida Juantegui, nació en San Sebastián, (1924-2002).
Fue uno de los escultores más importantes del siglo XX.
Nació en el seno de una familia clásica con grandes influencias católicas; fue el tercer hijo de su padre, Pedro Chillida, un militar, y su madre, Carmen Juantegui, ama de casa aficionada al canto.
Fue una persona bastante polifacética, debido a que, comenzó estudiando arquitectura en una universidad de Madrid, en 1943, la cual no llegó a finalizar. Tras abandonar dicha universidad, se inicia en la escultura y el dibujo, siguiendo pasos aprendidos anteriormente. Llegó a ser portero de fútbol, concretamente, en el equipo Real Sociedad.

Debido al franquismo, se exilia a París, donde conoce a grandes artistas como Picasso, Brancussi... En este último, Brancussi, Chillida se ve inspirado, para la creación de obras abstractas. La imagen situada a la derecha, simula el vuelo de un pájaro, desde la visión subjetiva del autor, dando lugar a la ascendencia del vuelo.

Y empieza a trabajar en yeso y terracota, creando esculturas figurativas, lo cual, no le motivó lo suficiente, y abandonó este estilo.

Al volver a España, se instala en el País Vasco, con su esposa Pilar, empieza a trabajar en la fragua de Manuel Illarramendi, el cual, le enseña sobre la forja.

Chillida creó su primera escultura abstracta, llamada Ilarik.
Una escultura de hierro, bastante sobria, creada en hierro y madera, materiales utilizados comúnmente en el País Vasco.

Se pueden apreciar, las características, el estilo, que fue adoptando con el paso del tiempo, la madurez artística...
Podemos advertir la presencia del espacio vacío, la materia... Algo que sigue presente en gran parte de sus obras posteriores.

Otras obras que siguieron la estética de Ilarik, fueron el Elogio del aire.

Las exploraciones creativas iniciadas con Ilarik se irían redefiniendo y concretando en los años siguientes con piezas como Elogio del aire, Música callada, Rumor de límites o El peine del viento.
Su obra cumbre, El peine del viento, estuvo siendo trabajada durante más de quince años, terminada en 1997, en el momento que las tres piezas de acero fueron instaladas en las diferentes zonas, frente al mar.

Gran parte de sus obras, se encuentran en lugares públicos, repartidas por todo el mundo.

Como por ejemplo la Jaula de la Libertad, situada Alemania, Trier, en Landeszentral Bank Square, creada en acero, 1996.

Abesti Gogora V, EEUU, Houston, en el Museum of Fine Arts. Realizada en Granito, 1966.
                                                                                   

Otra de ellas, la primera realizada en granito. Llamada Homenaje al horizonte. Al igual que la gran mayoría de sus obras, El peine del viento, fue creado por iniciativa personal, debido a que comenzó a trabajar con materiales nuevos, como el acero. La playa de la concha, le sirvió de inspiración, para la creación de esta obra, posteriormente situada en aquel lugar, al que Chillida dio tanta importancia. No solo para el era una inspiración el fuerte oleaje en los días de temporal, sino que también era como un refugio, comúnmente visitado por poetas anónimos. 

Lectura temática

El artísta quiso centrarse en una escultura alejada del retratismo, utilizando su propio estilo, en el cual, se le daba más importancia al color, la textura, la luz, la composición, incluso la forma de las composición, como construirlas, qué materiales utilizar...

Como tema, según las fuentes encontradas, Eduardo Chillida, quiso plasmar en su obra la contraposición entre la naturaleza, el mar, viento... y lo artificial, creado a partir de las manos del ser humano. La fuerza del oleaje, del viento impactando sobre su obra.

La Piedad (MIguel Ángel)

Identificación

-Título: La Piedad del Vaticano o Pietà.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1498-1499
-Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Datos Técnicos: 174 x 195 cm.

Lectura Formal

Esta obra artística es una escultura, realizada por el método sustractivo, partiendo de un gran bloque de mármol, mediante la técnica de la talla, extrayendo el material sobrante, con un cincel, para así dar forma, y obtener el resultado final. 

Es una obra figurativa debido a que podemos distinguir todos los elementos presentes en la composición.

El personaje femenino es una joven virgen, vestida con un gran manto que se extiente por gran parte de la escultura, formando pliegues curvilíneos, mientras mantiene sujeto a su hijo, Jesús, muerto, dejando caer su brazo derecho, y dejando caer su cabeza hacia atrás apoyada sobre el brazo derecho de su madre. Esta, parece más joven que su hijo, y muestra una expresión de dolor y angustia. Miguel Ángel, sigue el movimiento renacentista, remarcando todos los detalles, para hacerla lo más realista posible.

Es una escultura en exenta u obra es de bulto redondo, son sinónimos de lo que se define como una escultura capaz de apreciarse desde diferentes puntos de vista (ángulos). No depende de una figura, o superficie mayor que la contenga, sino que es individual.

La forma de los objetos tridimensionales, en este caso sería cóncava, ya que da sensación de espacio lleno, por el contrario de obras de forma convexa, cuya percepción se compara con la sensación de espacio vacio.

Una de las líneas de fuerza podría estar situadas en los pies de Cristo que se encuentra apoyado sobre un pequeño tronco, marcando una dirección, hacia la parte inferior derecha. Su brazo derecho nos marca también una dirección hacia la parte inferior de la escultura.
Se encuentra recostado, con la cabeza hundida hacia atrás, manteniendo la vista alzada...
La virgen con su dedo izquierdo, nos muestra la misma dirección que el pie izquierdo de la figura masculina, dirección derecha inferior. Su cabeza, podría ser otra línea de fuerza, ya que se mantiene inclinada hacia delante.
Transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el movimiento de manos, pies, cabezas, sujetar a cristo en esa postura...
Esta composición tridimensional posee simetría axial, ya que podemos observar cierta desigualdad de peso, pero en su mayoría esta totalmente repartido, se puede apreciar equilibrio compositivo.

Respecto al color, podemos encontrar una superficie monocromada (ningún color, excepto el del material utilizado), en este caso, mármol. La textura, es propia del material, en la que cabe destacar, las arrugas de la ropa que poseen, del pelo, la piel... Los pliegues forman huecos dando lugar al contraste de claroscuro.

Lectura Contextual

Las características de la obra, son propias de la época en la que vivió Miguel Ángel, el Renacimiento. Se utilizó el mármol debido a que era un material bastante utilizado en la época. Además de ser una carácteristica propia de Miguel Ángel, debido a que en la mayoría de sus obras lo utiliza. Como por ejemplo, el David. 

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, es el nombre completo del conocido como Miguel Ángel. Nació en Caprese el 6 de marzo de 1475, y murió en Roma un 18 de febrero de 1564.

Dedicó su vida al arte, y es fue uno de los artístas más importantes de la historia. Entre sus habilidades destacor como escultor, arquitecto y pintor.más importante de la historia. La mayoría de sus cuadros fueron creados en Florencia y Roma, donde vivían las familias, como los Médici de Florencia, y diversos papas romanos, como Julio II, los cuales le encargaban muchas de sus obras.
Sus obras más destacadas fueron, el David, y la bóveda de la Capilla Sixtina.

Su carácter estava marcado por el perfeccionismo, ya que no aceptaba el más mínimo error en sus obras, si se daba el caso, las catalogaba como un auténtico desastre.

La obra pertenece a la primera etapa del renacimiento, el Quattrocento, se desarrolla en Italia. También es llamada temprano Renacimiento. Se puede apreciar el desnudo, un motivo de representación muy común en este periodo, o bien la escased de ropas.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al cual Miguel Ángel conoció en Roma.

Lectura temática

En esta obra, fue la primera vez que Miguel Ángel trató el tema iconográfico, el cual esta relacionado con lo simbólico y lo alegórico, pretendiendo representar figuras humanas, expresando sus emociones. Posteriormente volvió a repetir este tema, esta vez manifestando su evolución artística. La última obra de Piedades es la llamada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al enfermar, se puede apreciar que el trabajo tiene partes que están poco elaboradas, como el rostro de la Virgen, parte del busto de Cristo...