martes, 16 de junio de 2009

El Guernica (Pablo Picasso)


El Guernica, es un cuadro pintado por Pablo Ruiz Picasso, en 1937. Sus medidas son 777 cm × 349 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.

La obra es una pintura al óleo sobre lienzo, de forma rectangular.

Es de carácter figurativo, ya que la mayoría de elementos presentes son reconocibles, sin embargo, el fondo poseía una mayor abstracción, debido a que cada personaje parece ser proveniente de otro lugar, no están situados en el mismo escenario.


A la derecha del cuadro podemos apreciar una mujer gritando porque su casa está en llamas, en el centro, un caballo moribundo y una mujer que sujeta una lámpara, y por último, a la izquierda podemos apreciar un toro, y una mujer con su hijo muerto.

El toro que está a la izquierda del cuadro, tiene el cuerpo negro y la cabeza blanca. Su expresión parece revelar sorpresa y sus ojos se encuentran desordenados. Picasso dijo que el toro simbolizaba la brutalidad y oscuridad.

La madre con su hijo muerto, se encuentra debajo del toro, como si este la estuviera protegiendo. Su expresión muestra un grito de dolor, desesperación…

La lengua de la mujer es afilada y sus ojos presentan forma de lágrima. Sostiene en sus brazos al hijo que yace muerto, con los ojos en blanco.

La paloma que se encuentra entre el toro y el caballo, no es visible a simple vista porque tiene el mismo color que el fondo, marrón. La silueta, pintada de color más oscuro, negro. Ha sido considerada un símbolo de paz rota, interrumpida por la guerra.

El guerrero muerto, del que solo podemos apreciar la cabeza, el brazo derecho extendido y el antebrazo izquierdo con restos de sangre, sosteniendo una espada rota y una flor, que nos transmite un atisbo de esperanza, de paz.

La bombilla esta situada en el centro del cuadro, y en muchas ocasiones se la ha relacionado con bombas.

El caballo esta situado en el centro, el cuerpo se encuentra hacia la derecha aunque su cabeza al igual que la del toro, se encuentra vuelta hacia la izquierda. Mantiene adelantada una de las patas delanteras para mantener el equilibrio, ya que parece a punto de caerse. En su costado tiene una herida, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de la que sobresale la lengua, en forma afilada. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco.

La mujer arrodillada, se encuentra con las nalgas al descubierto. Tiene la pierna derecha dislocada, la lleva arrastrando con restos de sangre por el suelo, moribunda.

La mujer con el quinqué, es la que ilumina con una vela, la habitación en la que se encuentran los personajes.

Y por último una casa en llamas a la derecha del cuadro.

Podemos apreciar formas geométricas como rectángulos en el fondo del cuadro, una pequeña ventana cuadrangular, formas orgánicas, además de rombos, triángulos, formas terminadas en punta, como por ejemplo la lengua del caballo.

Está pintado en una estricta gama de colores, blanco y negro, y diferentes tonalidades de gris. En su mayoría prevalecen los colores apagados.


Lectura contextual

Pertenece al movimiento cubista, iniciado principalmente por Picasso. Posteriormente otros artistas se vieron inspirados en este estilo, y comenzaron a utilizarlo. Picasso trabajó junto a Braque, en el mismo taller, este fue otro de los impulsores del cubismo.
Picasso, antes de realizar el cuadro, realizó una serie de bocetos:




Las características de este estilo reconocido seria la fragmentación de la realidad, mediante un proceso de descomposición basado en pintar la obra desde diferentes ángulos, distancias... Adopta una forma como cuando se rompe un espejo y volvemos a unir las piezas, lo que obtenemos es una realidad distorsionada.
El creador de una obra cubista es el más apropiado para ver que es lo que hay en ella, ya que es el que ha seguido el proceso de fragmentación.
Es un cuadro simbólico ya que nos muestra el pavor de la guerra y la desdicha de la muchas victimas inocentes, que murieron a causa de dicho bombardeo, además de que adoptaron una vida totalmente diferente, y comenzaron a vivir en condiciones precarias, miseria, además de las hambrunas. La ciudad quedó desvastada, pobre después de que el bombardeo comenzara a las 4.30 de la tarde lanzando una gran cantidad de bombas, y más de tres mil proyectiles incendiarios de aluminio, y terminara a las 7.30 de la tarde, en sus últimas, lanzaron bombas a ciegas, sin ningún objetivo fijo, aunque desde un primer momento, se decia que lo que se pretendía bombardear era un puente de las afuera de la ciudad. Al acabar el ataque, fue tal la magnitud del fuego, que el incendio ocasionado no pudo ser extinguido hasta el día después.

Para escusarse, se comentó que el propósito del bombardeo, fue poner a prueba a la joven fuerza aérea, y la adquisición de experiencia para los pilotos.

Realmente, lo que pudo haber ocurrido, sería el consentimiento de Franco hacia las tropas aereas de Hitler, y para escusarse, se comentó que el propósito del bombardeo, fue poner a prueba a la joven fuerza aérea, y la adquisición de experiencia para los pilotos.

La cifra más exacta indica que el nómero de fallecidos fue de mil. Sin embargo, los datos más actuales apuntan entre 250 y 300 muertos.


Picasso era una persona pacifista, ya que rechazaba todo tipo de conflicto armado, guerras y demás formas de violencia. Estaba deacuerdo con la no violencia, el boicot, educación por la paz; participó en el Consejo Mundial de la Paz, para el que pintó la famosa Paloma de la paz, la cual era portadora de un ramillete de olivo.


El Guernica, es una obra considerada como una de las más importantes del siglo XX, debido a la gran representación de los sufrimientos de la época, el periodo de grandes desdichas que sufrieron, a causa de la guerra, tantas personas.


El cuadro fue creado por encargo del Gobierno de la República Española, para posteriormente ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, para atraer la atención del público hacia el trabajo de los republicanos en la Guerra Civil. Para la creación de la obra se inspiró en un terrible suceso, habían bombardeado una pequeña localidad del País Vasco, llamada Guernica a petición de Franco.

El tema de la obra podría estar relacionado con el sufrimiento de muchas personas, que día a día malvivían, habían sufrido un golpe de estado por el general Franco en 1936, consigo las desdichas de la guerra, el hambre, la miseria que asolaba España por aquel entonces…

jueves, 4 de junio de 2009

jueves, 28 de mayo de 2009

ORDEN CORINTIO

El Templo de Zeus Olímpico (también conocido como Olimpeion) es un templo situado en Atenas sureste de la Acrópolis.
Su construcción se remonta hasta el siglo VI a. C, finalizando durante el reinado del emperador Adriano en el siglo II. 
Fue el templo más grande de Grecia en épocas helenísticas y romana.

Fue construido en mármol blanco, medía 96x40 m. Poseía 104 columnas, cada una de ellas contaba de 17 metros y alto; 48 de ellas estaban colocadas formando tres filas bajo los frontones y las 56 restantes se situaban en filas dobles a los lados del templo.
Es un templo en el que podemos observar rasgos del orden corintio, más elegante y decorado que los demás órdenes arquitectónicos., aunque guarda un cierto parecido con el orden jónico, debido a que tanto basa (pieza de apoyo) como fuste (tronco de la columna, de sección circular), no presentan diferencia alguna, ambos son esbeltos y estriados, de basa cuadrangular. A diferencia del jónico, el capitel corintio es más extenso, y posee hojas de acanto, cuyos tallos acaban en una especie de volutas (espirales) en las cuatro esquinas. 
El entablamento, tiene la mayoría de características que los demás órdenes. 
Esta formado por el arquitrabe, que se encuentra sobre el capitel de las columnas, con bandas escalonadas, al igual que el orden jónico.
El friso es una no posee metopas ni triglifos, y se encuentra adornada con una tanda de figuras en relieve. Se encuentra sobre el arquitrabe.
Estas son las características principales de los templos corintios, las que en su día formaron parte del templo, del que solo podemos observar parte del peristilo de columnas que lo componían que aún siguen en pié, y varias columnas, derribadas, en la que podemos observar como al destruirse, se separan las partes que componen la columna.




La construcción del templo no llego a finalizarse debido a que durante la democracia griega se pensó que se transgredía contra el orgullo de la ciudad construir una obra de tales dimensiones.
Tiempo después, se reanuda el trabajo, cuando Antíoco (rey helenistico) contrata al arquitecto romano Cossutius. Con la muerte del rey, el trabajo vuelve a paralizase.
La construcción del templo fue retomada por Adriano, en el siglo II, hasta su finalización.



miércoles, 27 de mayo de 2009

ORDEN JÓNICO

Templo de Atenea Niké

Se encuentra situado en la Acrópolis de Atenas. La idea de su construcción surgió en el año 449 a.C, pero las obras no se comenzaron hasta 421 a.C debido a que Pericles (importante político de Grecia) se opuso a su construcción.
La construcción del templo se le encargó a Calícrates (antiguo arquitecto griego) para conmemorar la victoria de los griegos sobre los persas en la batalla de Salamina.
Calicrates tuvo que ceñir el diseño del templo a un espacio muy reducido, el torreón de los Propileos (entrada de la Acrópolis).
Mide 8 metros de altura. Sobre el basamento, o estilóbato, hay unos grandes escalones donde se asienta el edificio, se encuentran cuatro columnas de forma circular en la parte delantera, y otras cuatro en la parte trasera de manera equidistante, formando un pórtico en cada extremo. Están construidas en mármol. 
Las columnas son de orden jónico. Están caracterizadas por su esbeltez.
Tiene basa, situada en la parte más inferior de la columna, es su ancho es mayor que el del fuste de la columna, y son de forma circular.
El fuste es el cuerpo o tronco de la columna. Este es de forma circular, y se encuentra estriado.
Por último, en la parte superior de la columna, bajo el arquitrabe, se encuentra el capitel. Posee dos espirales con función decorativa.
El arquitrabe consta de tres niveles, o escalones, de manera descendente.
El friso, es un elemento muy importante en este templo debido a su conservación. No posee metopas ni triglifos. Su decoración mitológica, representa una escena de las guerras Médicas y una cornisa, con los frontones dedicados a Atenea.


La finalidad del friso, fue para animar a los atenienses debido a la mala época de luchas que estaban viviendo, en la guerra del Peloponeso

Atenea, hija de Zeus y Metis, es la diosa de la sabiduría, la estrategia y la guerra justa. Consejera de héroes, y considerada patrona de Atenas 
La representación de Atenea atándose una sandalia, fue una obra de la escuela de Fidias (escultor más famoso de Grecia) muestra sus principales características, como la ropa mojada, figura divina, (como lo es Atenea) realizando acciones cotidiana.

En el interior del pequeño templo, había una representación de piedra de la diosa Atenea, representada como Niké (diosa alada de la victoria). A la representación de Atenea, se le cortan las alas para que no pueda marcharse de la ciudad.
Para los griegos, la religión era algo muy importante, pensar en la otra vida, lo que había después de la muerte, era algo muy común entre los ciudadanos, debido a que morían bastante jóvenes, así que tener una representación de la diosa Atenea, era una manera de asegurarles la suerte y la victoria.
Las dimensiones del templo, no permitían celebrar actos en su interior, por lo que fuera del templo, había un altar para las ofrendas.


martes, 26 de mayo de 2009

ORDEN DÓRICO

El templo de Segesta, se encuentra situado, como su propio nombre indica, en la ciudad de Segesta (actualmente provincia de Trapani), en una colina de la antigua ciudad de Sicilia, alrededor de 430-420 a. C.  
Es un templo dórico, construido en piedra, períptero con columnas de 6×14 sobre una base 21×56.
Podemos apreciar como el templo está inacabado, y se encuentra desgastado por el paso del tiempo.
No posee tejado, y sus grandes columnas se encuentran sin tallar, es decir, no estan estriadas, y se encuentran colocadas de manera ordenada formando un peristilo que da forma rectangular al templo. Es perfectamente simétrico, los elementos estan enclavados en su sitio justo, habiendo igual número de columnas en cada extremo.

Las principales características del orden dórico serían:
Las órdenes arquitectónicas griegas se diferenciaban, principalmente, por el estilo de sus columnas.
Las columnas dóricas son sobrias y corpulentas, no disponen de basa. 
El fuste está estriado de manera vertical. El capitel carece de elementos decorativos, estaba formado por el equino, una superficie cuadrada, y debajo está el ábaco, una superficie redonda. El capitel se encuentra situado entre el fuste y el arquitrabe, este último es una viga lisa colocada de manera horizontal encima de los capitales, con sus respectivas columnas. 
El tímpano y arquitrabe se encuentran intactos situados en su lugar. No dispone de nave, ni techo.

El friso, situado encima del arquitrabe posee las metopas (sin esculturas) y entre cada una de ellas, se alternan los triglifos. 

Es monocromo, debido a que no posee pigmentación alguna, unicamente el color del material con el que está construido, piedra.

 Fue construido por la gente de Elimia. Estaba destinado al culto de diferentes dioses, pero no fue posible debido a que nunca pudo ser acabado a causa de las guerras con Selinunte.
 


sábado, 9 de mayo de 2009

Diseño - Ejercicio 2


 

miércoles, 6 de mayo de 2009

Diseño - Ejercicio 3


jueves, 2 de abril de 2009

Por amor al arte - Cres y Nach




[Cres>
Compara boli a pincel, tinta dibujada en papel,
firme de base, fuste y capitel,
en un lienzo alineado, micro perforado,
escrituras en piedras de retablo o en crucerías de artesonado!
Con más formas que Pablo Ruiz, Braque, Gris o Leger,
sin duda el arte actual como el rap no es lo que era ayer
pero se conserva la esencia.
A falta de medios la creatividad es el mejor remedio. ¡Piensa!
Pienso las cosas mas que el bronce de Rodin
exilio a algún lugar exótico como Gauguin,
busco la inspiración en Soul Supreme o 9th Gonder
¿cuanta gente crea? ¿Cuántos calcan? imitan, copian, plagian
se contagian de algo único, yo con un micro o con tinta hago magia
De mi paleta salen auténticas obras,
y eso que mi cabeza aun esta en obras
Tú sobras porque no te conformas con nada y sin criterio nos criticas,
siento desesperación como el Guernica.
Grita el expresionista, se raya el surrealista,
y el plástico si escupe del ático este liricista
De las pirámides de Egipto a los circos de arena de Roma
de ruinas de Lucentum al MOMA,
del clásico Miguel Ángel a Jackson Pollack,
de Dj Kool Herc a Kase O y los que se incorporan.


[Nach>
Hiperrealismo, entre las luces y sombras de estas hondas,
duras de definir como el gesto de la Gioconda
Inspiración nocturna y me despido de Morfeo.
Lírica insomnia, jardines en Babilonia creo.
No hay prados en mi museo, solo asfalto.
Pinto laberintos y me aparto del jaleo.
¿Te motiva la competi? Yo en mi mausoleo
prefiero la soledad frágil de Giacommeti. Hoy rapeo
sin días grises que me pisen,
con mas arte que los Thyssen, elaboren no improvisen
Sigan la disciplina de la escuela lucentina
y su obra rozará la eternidad de la capilla sextina
De momento elaboro estructuras como Kandinsky,
mientras me bebo un whisky a la salud de Charles Bukowsky.
Y a solas con el bajo me relajo,
yo, el rap no trajo la cultura popular, lo hizo Andy Warhol
Mi poesía arde, decidle a Machado que arde
me habré marchado con textos manchados de sangre
Sudor y sonrisas, escribiendo sin prisa
estos renglones torcidos sin haber nacido en Pisa
Del Mudéjar a la Bauhaus, del Partenon al Louvre
Siente lo existencial de una instrumental de Stoupe
Y aunque creen que nos conocen escuchan y se corroen,
Nach y Cres en esta mierda son los hermanos Coen.


[Estribillo>
Lo hacemos por el arte, lo hacemos amor
somos estandartes de esta decisión.
Creación, precisión…Yo sigo a la mía,
lienzos del día a día viva inspiración nos guía.

Lo hacemos por el arte, lo hacemos por amor,
sabemos que no sabemos hacer nada mejor.
Ah, las calles son galerías durante todo el día,
nosotros tenemos nuestro propio taller de artesanía.


[Cres>
Mi familia es sagrada, aunque bastante moderna por cierto
pero yo suelo acabar todo lo que empiezo,
pieza! Escucha y aprende, defiende como cristianos
en torretas de castillos románicos…
Y duran, perduran como el arco de herradura en el sur
o el apuntado en el gótico en monumentos eclesiásticos…
es solo un tour por el museo de la mente…
de la mía, solo en parte y te hago de guía.
Chillidos no; ¡Chillida! no hay límites aunque haya rumores
¿si me atrapo? Busco la luz como los girasoles
Mezcla transiciones en canciones, buenas conexiones
con Nach, fabricantes de piezas como Tony Touch.
Don’t touch. Por favor, se ruega no tocar
ni fotografiar por el posible deterioro
que pueda causar el flash de las cámaras en el canvas,
o sea el lienzo, o el interior de San Lorenzo.
Somos grandes como Keops, Kefrén y Micerinos
y en los momentos de inspiración no dormimos
mimo hasta el último detalle, como Toulouse Lautrec
con bailarinas de Ballet, no! Como Manet que me impresiona mas!
Y es que pintamos y esculpimos
construimos lo indescriptible en base a lo que sentimos
Somos la mezcla de Art Nuevou y Renacimiento…
del Hip Hop, admira el paisaje con detenimiento.


[Estribillo>
Lo hacemos por el arte, lo hacemos amor
somos estandartes de esta decisión.
Creación, precisión…Yo sigo a la mía,
lienzos del día a día viva inspiración nos guía.

Lo hacemos por el arte, lo hacemos por amor,
sabemos que no sabemos hacer nada mejor.
Ah, las calles son galerías durante todo el día,
nosotros tenemos nuestro propio taller de artesanía.

Diseño - Ejercicio 1

martes, 24 de marzo de 2009

El peine del viento (Eduardo Chillida)

Identificación

Esta obra creada fue creada por Eduardo Chillida. Se encuentra en un extremo de la bahía de la Concha, al final de la playa de Ondarreta, en San Sebastián, País Vasco (España). Comenzó en 1952 y fue acabada en 1976.

Lectura Formal

Es una obra compuesta por tres esculturas de acero, incrustadas en unas rocas situadas en el mar Cantábrico.

Está hecha de acero, oxidado por el paso del tiempo, agentes atmosféricos... Y mayormente, el desgaste ocasionado por el fuerte oleaje que suele azotar las esculturas.

Es una obra abstracta, puesto que la obra procede de la imaginación del artística, además de no reconocer ningún elemento de la composición. 

Puede ser clasificada como una escultura en relieve alto, ya que se encuentra fijada a una superficie de la cual, está prácticamente independiente.

La forma de la composición tridimensional, desde mi visión subjetiva, no transmite ningún tipo de movimiento, y como sensación, nos transmite quietud, debido a que la obra, no representa ninguna figura humana, o algo a lo que se le asocie el movimiento, sino que muestra la unión de varios hierros, a conjunto con las rocas, el paisaje... 


Las líneas de fuerza crean huecos, como podemos observar, el espacio se encuentra entre la obra, que forma una especie de garra, por denominarlo de alguna manera, la cual, da lugar al espacio libre, y permitiendo la visión del paisaje situado detrás de la figura.

Según la información encontrada, Chillida, pretendió crear un peine, como el propio nombre de la obra indica, que dejara pasar el viento entre sus barrotes de acero, poniendo de manifiesto la libertad y la fuerza que transmite el mar, el viento...

Podemos observar la presencia del desorden y la asimetría, ya que el peso de la obra está repartido por diferentes puntos, dando lugar a formas geométricas.

Es una obra monocroma, ya que la obra no posee pigmentación, únicamente, la del material utilizado, hierro. Por la actuación de los agentes atmosféricos, la obra a sufrido modificaciones en cuanto al color y la textura, es decir, se a oxidado, y descastado la superficie, dando lugar a lo que para el tacto, ahora es una superficie rugosa y áspera, al contrario que antes, la obra estaba pulida y lisa.

La obra, fue creada a partir del método aditivo, con un material metálico, en este caso, hierro. Este método consiste en añadir material, a partir del inicial, para así crear por medio de la técnica del moldeado, la forma final. Este método de moldeado, consiste en la utilización de un molde, en el que se vierte el hierro fundido a altas temperaturas, y este adopta la forma del recipiente que lo contiene, al solidificarse.


Lectura contextual

Eduardo Chillida Juantegui, nació en San Sebastián, (1924-2002).
Fue uno de los escultores más importantes del siglo XX.
Nació en el seno de una familia clásica con grandes influencias católicas; fue el tercer hijo de su padre, Pedro Chillida, un militar, y su madre, Carmen Juantegui, ama de casa aficionada al canto.
Fue una persona bastante polifacética, debido a que, comenzó estudiando arquitectura en una universidad de Madrid, en 1943, la cual no llegó a finalizar. Tras abandonar dicha universidad, se inicia en la escultura y el dibujo, siguiendo pasos aprendidos anteriormente. Llegó a ser portero de fútbol, concretamente, en el equipo Real Sociedad.

Debido al franquismo, se exilia a París, donde conoce a grandes artistas como Picasso, Brancussi... En este último, Brancussi, Chillida se ve inspirado, para la creación de obras abstractas. La imagen situada a la derecha, simula el vuelo de un pájaro, desde la visión subjetiva del autor, dando lugar a la ascendencia del vuelo.

Y empieza a trabajar en yeso y terracota, creando esculturas figurativas, lo cual, no le motivó lo suficiente, y abandonó este estilo.

Al volver a España, se instala en el País Vasco, con su esposa Pilar, empieza a trabajar en la fragua de Manuel Illarramendi, el cual, le enseña sobre la forja.

Chillida creó su primera escultura abstracta, llamada Ilarik.
Una escultura de hierro, bastante sobria, creada en hierro y madera, materiales utilizados comúnmente en el País Vasco.

Se pueden apreciar, las características, el estilo, que fue adoptando con el paso del tiempo, la madurez artística...
Podemos advertir la presencia del espacio vacío, la materia... Algo que sigue presente en gran parte de sus obras posteriores.

Otras obras que siguieron la estética de Ilarik, fueron el Elogio del aire.

Las exploraciones creativas iniciadas con Ilarik se irían redefiniendo y concretando en los años siguientes con piezas como Elogio del aire, Música callada, Rumor de límites o El peine del viento.
Su obra cumbre, El peine del viento, estuvo siendo trabajada durante más de quince años, terminada en 1997, en el momento que las tres piezas de acero fueron instaladas en las diferentes zonas, frente al mar.

Gran parte de sus obras, se encuentran en lugares públicos, repartidas por todo el mundo.

Como por ejemplo la Jaula de la Libertad, situada Alemania, Trier, en Landeszentral Bank Square, creada en acero, 1996.

Abesti Gogora V, EEUU, Houston, en el Museum of Fine Arts. Realizada en Granito, 1966.
                                                                                   


Otra de ellas, la primera realizada en granito. Llamada Homenaje al horizonte. Al igual que la gran mayoría de sus obras, El peine del viento, fue creado por iniciativa personal, debido a que comenzó a trabajar con materiales nuevos, como el acero. La playa de la concha, le sirvió de inspiración, para la creación de esta obra, posteriormente situada en aquel lugar, al que Chillida dio tanta importancia. No solo para el era una inspiración el fuerte oleaje en los días de temporal, sino que también era como un refugio, comúnmente visitado por poetas anónimos. 
Lectura temática
El artísta quiso centrarse en una escultura alejada del retratismo, utilizando su propio estilo, en el cual, se le daba más importancia al color, la textura, la luz, la composición, incluso la forma de las composición, como construirlas, qué materiales utilizar...
Como tema, según las fuentes encontradas, Eduardo Chillida, quiso plasmar en su obra la contraposición entre la naturaleza, el mar, viento... y lo artificial, creado a partir de las manos del ser humano. La fuerza del oleaje, del viento impactando sobre su obra.

lunes, 16 de marzo de 2009

La Piedad (MIguel Ángel)


Identificación

-Título: La Piedad del Vaticano o Pietà.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1498-1499
-Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Datos Técnicos: 174 x 195 cm.


Lectura Formal

Esta obra artística es una escultura, realizada por el método sustractivo, partiendo de un gran bloque de mármol, mediante la técnica de la talla, extrayendo el material sobrante, con un cincel, para así dar forma, y obtener el resultado final. 

Es una obra figurativa debido a que podemos distinguir todos los elementos presentes en la composición.

El personaje femenino es una joven virgen, vestida con un gran manto que se extiente por gran parte de la escultura, formando pliegues curvilíneos, mientras mantiene sujeto a su hijo, Jesús, muerto, dejando caer su brazo derecho, y dejando caer su cabeza hacia atrás apoyada sobre el brazo derecho de su madre. Esta, parece más joven que su hijo, y muestra una expresión de dolor y angustia. Miguel Ángel, sigue el movimiento renacentista, remarcando todos los detalles, para hacerla lo más realista posible.

Es una escultura en exenta u obra es de bulto redondo, son sinónimos de lo que se define como una escultura capaz de apreciarse desde diferentes puntos de vista (ángulos). No depende de una figura, o superficie mayor que la contenga, sino que es individual.

La forma de los objetos tridimensionales, en este caso sería cóncava, ya que da sensación de espacio lleno, por el contrario de obras de forma convexa, cuya percepción se compara con la sensación de espacio vacio.

Una de las líneas de fuerza podría estar situadas en los pies de Cristo que se encuentra apoyado sobre un pequeño tronco, marcando una dirección, hacia la parte inferior derecha. Su brazo derecho nos marca también una dirección hacia la parte inferior de la escultura.
Se encuentra recostado, con la cabeza hundida hacia atrás, manteniendo la vista alzada...
La virgen con su dedo izquierdo, nos muestra la misma dirección que el pie izquierdo de la figura masculina, dirección derecha inferior. Su cabeza, podría ser otra línea de fuerza, ya que se mantiene inclinada hacia delante.
Transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el movimiento de manos, pies, cabezas, sujetar a cristo en esa postura...
Esta composición tridimensional posee simetría axial, ya que podemos observar cierta desigualdad de peso, pero en su mayoría esta totalmente repartido, se puede apreciar equilibrio compositivo.

Respecto al color, podemos encontrar una superficie monocromada (ningún color, excepto el del material utilizado), en este caso, mármol. La textura, es propia del material, en la que cabe destacar, las arrugas de la ropa que poseen, del pelo, la piel... Los pliegues forman huecos dando lugar al contraste de claroscuro.

Lectura Contextual

Las características de la obra, son propias de la época en la que vivió Miguel Ángel, el Renacimiento. Se utilizó el mármol debido a que era un material bastante utilizado en la época. Además de ser una carácteristica propia de Miguel Ángel, debido a que en la mayoría de sus obras lo utiliza. Como por ejemplo, el David. 

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, es el nombre completo del conocido como Miguel Ángel. Nació en Caprese el 6 de marzo de 1475, y murió en Roma un 18 de febrero de 1564.

Dedicó su vida al arte, y es fue uno de los artístas más importantes de la historia. Entre sus habilidades destacor como escultor, arquitecto y pintor.más importante de la historia. La mayoría de sus cuadros fueron creados en Florencia y Roma, donde vivían las familias, como los Médici de Florencia, y diversos papas romanos, como Julio II, los cuales le encargaban muchas de sus obras.
Sus obras más destacadas fueron, el David, y la bóveda de la Capilla Sixtina.

Su carácter estava marcado por el perfeccionismo, ya que no aceptaba el más mínimo error en sus obras, si se daba el caso, las catalogaba como un auténtico desastre.

La obra pertenece a la primera etapa del renacimiento, el Quattrocento, se desarrolla en Italia. También es llamada temprano Renacimiento. Se puede apreciar el desnudo, un motivo de representación muy común en este periodo, o bien la escased de ropas.


La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al cual Miguel Ángel conoció en Roma.

Lectura temática

En esta obra, fue la primera vez que Miguel Ángel trató el tema iconográfico, el cual esta relacionado con lo simbólico y lo alegórico, pretendiendo representar figuras humanas, expresando sus emociones. Posteriormente volvió a repetir este tema, esta vez manifestando su evolución artística. La última obra de Piedades es la llamada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al enfermar, se puede apreciar que el trabajo tiene partes que están poco elaboradas, como el rostro de la Virgen, parte del busto de Cristo...

miércoles, 11 de marzo de 2009

Identificación obras de Miguel Ángel.


-Título: El bacus.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1496 y 1497
-Localización: Se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
-Datos Técnicos: 203 cm de altura


-Título: La Virgen de la escalera
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura en relieve de mármol.
-Fecha: Fue creada hacia 1491.
-Localización: se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia.
-Datos Técnicos: La obra tiene unas medidas de 55,5 x 40cm.

-Título: La Batalla de los centauros.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura en relieve en mármol.
-Fecha: Fue creada cerca de 1492.
-Localización: se guarda en el museo de la Casa Buonarroti de Florencia.
-Datos Técnicos: Sus medidas son 84,5 x 90,5cm.

-Título: San Petronio
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1494 y 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -

-Título: San Próculo
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1494 y 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -


-Título: Ángel de San Domenico de Bolonia.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada en 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -



-Título: La Piedad del Vaticano o Pietà.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1498-1499
-Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Datos Técnicos: 174 x 195 cm.



-Título: David
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol blanco.
-Fecha: Fue creada entre 1501-1504
-Localización: Fue un encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.
-Datos Técnicos: 517 cm de altura.




-Título: Tumba de Lorenzo II de Médicis
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1513-1515
-Localización: Basílica de San Pedro
-Datos Técnicos: altura: 48 cm. Base: 17 x 22 cm



-Título: Esclavo moribundo
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Realizado durante los años 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.


-Título: Esclavo rebelde
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Realizado durante los años 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.


-Título: Tumba de Lorenzo II de Médicis
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1534
-Localización: Iglesia de San Lorenzo de Florencia.
-Datos Técnicos: 280 x 570 cm





-Título: La Basílica de San Pedro
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una basílica. (Obra arquitectónica)
-Fecha: Fue creada a finales de 1521.
-Localización: Se encuentra en la orilla derecha del río Tíber, en la ciudad del Vaticano (Roma)
-Datos Técnicos: 193 m de longitud y 44,5 m de altura




-Título: El joven esclavo.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 256 cm de altura.

-Título: Esclavo despertándose.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.



-Título: Esclavo atlante.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 277 cm de altura.



-Título: Esclavo barbudo.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 263 cm de altura.

-Título: El Cristo de la Minerva o Cristo redentor.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada a finales de 1521.
-Localización: Se encuentra en la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva en Roma
-Datos Técnicos: -


OBRAS PICTÓRICAS



-Título: La creación de Adán.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: 1510
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: 280 cm × 570 cm



-Título: El Juicio Final o El Juicio Universal
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: Entre 1537-1541
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: 1370 cm × 1220 cm





-Título: Sibila Délfica.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: 1509. 
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: Mide 350 centímetros de alto y 380 cm de ancho.



BRIOGRAFÍA

Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo.

Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años.

La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacia más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel.

Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión y, a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años.

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones los pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea.

Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. 

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. 

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.