Identificación obras de Miguel Ángel.

-Título: El bacus.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1496 y 1497
-Localización: Se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
-Datos Técnicos: 203 cm de altura

-Título: La Virgen de la escalera
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura en relieve de mármol.
-Fecha: Fue creada hacia 1491.
-Localización: se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia.
-Datos Técnicos: La obra tiene unas medidas de 55,5 x 40cm.

-Título: La Batalla de los centauros.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura en relieve en mármol.
-Fecha: Fue creada cerca de 1492.
-Localización: se guarda en el museo de la Casa Buonarroti de Florencia.
-Datos Técnicos: Sus medidas son 84,5 x 90,5cm.

-Título: San Petronio
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1494 y 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -

-Título: San Próculo
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1494 y 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -

-Título: Ángel de San Domenico de Bolonia.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada en 1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos: -

-Título: La Piedad del Vaticano o Pietà.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1498-1499
-Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Datos Técnicos: 174 x 195 cm.

-Título: David
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol blanco.
-Fecha: Fue creada entre 1501-1504
-Localización: Fue un encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.
-Datos Técnicos: 517 cm de altura.

-Título: Tumba de Lorenzo II de Médicis
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1513-1515
-Localización: Basílica de San Pedro
-Datos Técnicos: altura: 48 cm. Base: 17 x 22 cm

-Título: Esclavo moribundo
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Realizado durante los años 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.

-Título: Esclavo rebelde
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Realizado durante los años 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.

-Título: Tumba de Lorenzo II de Médicis
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1534
-Localización: Iglesia de San Lorenzo de Florencia.
-Datos Técnicos: 280 x 570 cm

-Título: La Basílica de San Pedro
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una basílica. (Obra arquitectónica)
-Fecha: Fue creada a finales de 1521.
-Localización: Se encuentra en la orilla derecha del río Tíber, en la ciudad del Vaticano (Roma)
-Datos Técnicos: 193 m de longitud y 44,5 m de altura

-Título: El joven esclavo.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 256 cm de altura.

-Título: Esclavo despertándose.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.



-Título: Esclavo atlante.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 277 cm de altura.



-Título: Esclavo barbudo.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 263 cm de altura.

-Título: El Cristo de la Minerva o Cristo redentor.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es una escultura exenta en mármol.
-Fecha: Fue creada a finales de 1521.
-Localización: Se encuentra en la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva en Roma
-Datos Técnicos: -

OBRAS PICTÓRICAS

-Título: La creación de Adán.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: 1510
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: 280 cm × 570 cm

-Título: El Juicio Final o El Juicio Universal
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: Entre 1537-1541
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: 1370 cm × 1220 cm

-Título: Sibila Délfica.
-Autor: Miguel Ángel.
-¿Qué es?: Es un fresco renacentista.
-Fecha: 1509. 
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: Mide 350 centímetros de alto y 380 cm de ancho.

BRIOGRAFÍA

Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo.

Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años.

La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacia más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel.

Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión y, a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años.

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones los pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea.

Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. 

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.

Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. 

En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina (inconclusa) para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos quebraderos de cabeza y que por último no se realizó; pero el artista proyectó para San Lorenzo dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven.

Elección de las diez esculturas

Arte egipcio

-Triada de Micerinos.
-Se encuentra en el Museo Egipcio de El Cairo.
-En la época del Imperio Antiguo, creada a mediados del tercer milenio a. C. (2639 a 2504 aC).
-Altura: 92'5 cm
-Es una escultura realista, debido a que representa a tres personas, en este caso dioses, ciñéndose a las características humanas del ideal de belleza de la época.
Es un relieve alto, debido a que sobresale bastante de la superficie en la que se encuentra. Fue utilizado para decorar la pirámide de Menkaura.

La forma de la composición tridimensional nos da la sensación de verticalidad, además transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el avance hacia delante, como caminando moviendo brazos y piernas. Podemos apreciar que la figura de la derecha se encuentra estática. Las líneas de fuerza crea masas y huecos, como podemos observar en el espacio que se encuentra entre ambas piernas de la figura central.
Se puede observar la presencia de un gran equilibrio debido a la manera en la que se encuentran situados los personajes. Dándole más importancia a la figura masculina situada en el centro que a las dos figuras iguales femeninas, situadas en los extremos. Dando una sensación de simetría en la obra completa. Ya que siguen la ley de frontalidad en la que las figuras son creadas para una visualización frontal.
Al representar tres personajes con características humanas, cada uno de ellos posee simetría axial.
Es una obra monocromática debido a que solo tiene un color, el del material con que está realizado, pizarra.
Se pueden apreciar diferentes texturas como las de la ropa, piel, suelo...
Esta realizada por el método sustractivo debido a que se crea a partir de un bloque de piedra compacta, para finalmente, mediante la técnica de la talla, obtener la composición.


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Arte griego

-Dama de Auxerre, o también conocida como, Kore de Auxerre.
-Se encuentra en el Museo del Louvre (París).
-Escultura griega, perteneciente al periodo arcaico.
-Creada en el siglo VII a.C.
-65 cm de altura.

Es una escultura realista, a modo de representación de una figura femenina, en este caso, hipotéticamente creada en honor a la diosa Perséfore, reina del inframundo.
Figura exenta, debido a que no es parte de ninguna otra superficie mayor, y podemos visualizarla por todos sus ángulos, observando cualquier elemento de la composición.
Transmite sensación de verticalidad, debido a la postura que tiene la escultura, además de cierto movimiento, sugerido en el brazo derecho, elevado a la altura del pecho.
Las líneas de fuerza se encuentran, en su mayoría, en los brazos, señalándonos, el izquierdo el suelo, y el derecho hacia arriba.
En esta figura se combinan espacio lleno y espacio vacío. El espacio vacío se encuentra entre el hueco que separa el brazo izquierdo de la cintura de la figura, al igual que el brazo derecho. Por otra parte, se puede apreciar espacio lleno en su mayoría, en lugares como por ejemplo el rostro, o bien, la parte del vestido que tapa las piernas... Por lo que podría ser clasificable como una figura convexa.
Podemos apreciar simetría en la obra, debido a que mayormente, el peso de la obra queda repartido por ambos lados de la figura. Un pequeño detalle, sería el brazo, que se encuentra en una postura diferente, aunque aún así se percibe bastante equilibrio.
La obra posee simetría axial, debido a que representa una figura femenina, con rasgos humanos.
Es una obra policromada, debido a la posesión de varios colores, que varían dependiendo de la zona en la que estén aplicados. Pelo negro, tez pálida, vestido de varias tonos del magenta, azul apagado en las formas geométricas que posee el vestido, detalles de color amarillo como el cinturón, y los brazaletes... De esta manera, al aplicar color, se elimina cualquier resto visible de la policromía inicial, el material utilizado para su creación, en este caso, madera. La textura es propia del material utilizado, el tacto de la madera pulimentada. El método utilizado, es el sustractivo, en madera, con la técnica de la talla, de manera que se extrae parte del material, para crear la figura que se desea obtener.

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Arte Grecia Antigua

-Eros tensando el arco.
-Creado en el clasicismo (siglo IV a. C.) la época de transición del griego clásico al periodo helenístico. (Grecia antigua).
-Se encuentra en Museos Vaticanos.
-Creado por Lisipo, un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso. Considerado uno de los tres escultores más importantes (junto a Escopas y Praxíteles) de la segunda fase del clasicismo.
Es una obra surrealista debido a que representa una figura adaptada a los rasgos humanos masculinos, pero con el detalle de las alas, causante de que la obra no sea realista.
Es una obra exenta, debido a que no se encuentra adjunta a otra superficie mayor, es decir, es totalmente independiente. Observable por cualquiera de sus ángulos.
Se puede observar espacio vacío, por lo que sería clasificable como una figura cóncava, apreciable en lugares como el espacio que queda entre sus piernas, sus brazos, el espacio entre las alas, el arco y el cuerpo...
Las líneas de fuerza se encuentran en una línea imaginaria que podría ir desde el pie izquierdo hasta la cabeza. Otra podría ser la dirección que marcan sus brazos, mientras sujetan el arco.
La sensación producida por la postura que adopta la figura, podría ser de quietud, de forma que las rodillas quedan flexionadas, los brazos alzados sujetando el arco, como si quisiera representar el momento en el que está ajustando su puntería, por lo que deberá permanecer quieto. Posee simetría y equilibrio, ya que el peso de la figura queda repartido por toda la obra. El escultor, Lisipo, cuando creó la obra, ''calculó'' hacía dónde sería mas vulnerable la escultura, de forma que añadió un tronco de árbol, a modo de sujeción. Respecto al color, es monocromático, ya que conserva el color del material con el que fue creado, en este caso, piedra. Así, su textura será la de la madera pulimentada. El método utilizado es el sustractivo debido a que se utiliza, como material, la piedra, con la técnica de la talla, de manera que se va sustrayendo parte del material inicial, un bloque de piedra, para así obtener la forma deseada.

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Arte románico

Pórtico de la Gloria, acabado en 1188 , situado en la Catedral de Santiago de Compostela), creado por el Maestro Mateo.
El Arte románico fue el estilo que predominó en Europa en los siglos XI, XII y parte del XIII. Se basa en el arte cristiano, es decir, representación de escenas religiosas...
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los elementos de la composición.
Es un relieve, debido a que se encuentra adjunto a otra superficie mayor, para así poder formar la composición, en este caso, el pórtico. Existen varios tipos de relieve, alto, medio y bajo. En este caso hablamos de un alto relieve, ya que los elementos sobresalen bastante de la superficie inicial. La forma de la obra sería convexa, debido a que podemos apreciar espacio lleno en gran parte de la obra, como por ejemplo, en la parte superior del tímpano.
Las líneas de fuerza, se encuentran en los personajes que recorren todo el borde del tímpano, marcando diferentes direcciones, en posición ascendente.

La obra nos da sensación de quietud, ya que los personajes permanecen sentados tranquilamente, alrededor del personaje principal, el cual tiene mayor tamaño, y se encuentra situado en la parte central del tímpano.

Podemos hablar de una simetría axial, debido a que percibimos sensación de equilibrio compositivo y orden. Los elementos se encuentran repartidos de igual forma, como expliqué en el párrafo anterior, un personaje principal, más notorio, debido a su grandeza, y a sus respectivos lados, igual peso de personajes, y demás detalles, de menor tamaño.

Actualmente es un relieve monocromo, ya que no percibimos ningún color, debido a que con el paso del tiempo, se ha ido perdiendo la pintura que poseía. Sólo apreciamos el del material con el que está realizado, en este caso, piedra.
Creado por el método sustractivo, mediante la técnica de la talla se ha ido restando parte del bloque inicial hasta conseguir la forma deseada, mediante un cincel, la gubia... u otros instrumentos.
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Arte gótico

-Las vírgenes necias.
-Catedral de Magdeburgo.
-Hacia 1250.
-Estilo gótico.
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir todos los elementos de la composición, en este caso, tres vírgenes.
Es una escultura en relieve alto, ya que se encuentran superpuestas en la superficie de la pared en la que se encuentran.
Las figuras son convexas, ya que podemos apreciar espacio lleno en su gran mayoría, exceptuando lugares como la curvatura de los vestidos… y demás pequeños detalles.
Las líneas de fuerza se encuentran en sus brazos, el brazo izquierdo de las figuras marca dirección ascendente, al contrario que el derecho, el cual, marca dirección descendente. Otras líneas de fuerzas apreciables serían sus cabezas, debido a la posición que adoptan, apoyadas en las manos izquierdas…
Transmiten sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, como el apoye de la cabeza en la mano.
Es una obra muy simétrica, y equilibrada, ya que el peso esta completamente repartido por todo el relieve, compuesto de una figura central, en cuyos lados, se pueden apreciar otras dos.
El relieve, posee un acabado minocromo, ya que no advertimos la presencia de ningún tipo de color, excepto el del material con el que está realizada, en este caso, piedra.
Está creada a partir del método sustractivo, mediante la técnica de la talla en piedra.


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Arte renacentista.

-La piedad.
-Realizada por Miguel Ángel.
-Entre 1498 y 1499.
-Sus dimensiones son 174x195 cm.
-Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
Es una obra figurativa debido a que podemos distinguir todos los elementos presentes en la composición.
Es una escultura en exenta u obra es de bulto redondo, son sinónimos de lo que se define como una escultura capaz de apreciarse desde diferentes puntos de vista (ángulos). No depende de una figura, o superficie mayor que la contenga, sino que es individual.

a forma de los objetos tridimensionales, en este caso sería cóncava, ya que da sensación de espacio lleno, por el contrario de obras de forma convexa, cuya percepción se compara con la sensación de espacio vacio.
Una de las líneas de fuerza podría estar situadas en los pies del cristo que se encuentra apoyado sobre un pequeño tronco, marcando una dirección, hacia la parte inferior derecha. Su brazo derecho nos marca también una dirección hacia la parte inferior de la escultura.
Se encuentra recostado, con la cabeza hundida hacia atrás, manteniendo la vista alzada...
La virgen con su dedo izquierdo, nos muestra la misma dirección que el pie izquierdo de la figura masculina, dirección derecha inferior. Su cabeza, podría ser otra línea de fuerza, ya que se mantiene inclinada hacia delante.
Transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el movimiento de manos, pies, cabezas, sujetar a cristo en esa postura...
Esta composición tridimensional posee simetría axial, ya que podemos observar cierta desigualdad de peso, pero en su mayoría esta totalmente repartido, se puede apreciar equilibrio compositivo.
Respecto al color, podemos encontrar una superficie monocromada (ningún color, excepto el del material utilizado), en este caso, mármol. La textura, es propia del material, en la que cabe destacar, las arrugas de la ropa que poseen, del pelo, la piel...
Se creó por el método sustractivo, partiendo de un gran bloque de mármol, mediante la técnica de la talla extrayendo el material sobrante, para así dar forma, y obtener el resultado final.

Barroco.

-El rapto de Proserpina. También conocida como, Hades y Perséfore.

-Gian Lorenzo Bernini.

-Creada entre los años 1621 y 1622.
-Galleria Borghese.
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los elementos de la composición, en este caso, los dos personajes.
Es una escultura exenta (individual), ya que no depende de otra superficie mayor que la contenga, por lo que podemos apreciarla desde todos sus ángulos.
Las formas que la componen, dan sensación de espacio lleno, por lo que podríamos clasificarla de figura convexa. La sensación de espacio lleno, está producida pos los dos cuerpo, y la sujeción colocada por el escultor.

Las líneas de fuerza que podemos apreciar, podrían ser le pierna derecha de Hades, que se encuentra en una posición forzada, estirando la pierna hacia atrás, y la otra, se encuentra flexionada hacia delante. Proserpina, o Perséfore, se encuentra intentando liberarse de sus brazos, de manera que mantiene el derecho elevado, marcando dirección ascendente, y el otro, apartando la cara de Hades, rey del inframundo.
De nuevo, como en varias obras anteriores, podemos hablar del movimiento sugerido, ya que no se pueden mover, sin embargo, expresan una acción. en este caso, la acción sería la lucha, por la evasión, la liberación de los brazos de Hades...

La simetría axial, se encuentra presente en esta obra tridimensional, al igual que el equilibrio, por el motivo de que el peso de la obra se encuentra repartido de manera similar.

Es una obra monocroma, ya que no podemos apreciar ningún color excepto el del material utilizado, piedra en este caso. Las texturas que podemos apreciar estarían situadas en la superficie en ambos cabellos, piel, ropa...

Esta realizada por el método sustractivo debido a que se crea a partir de un bloque de piedra compacta, para finalmente, mediante la técnica de la talla, obtener la composición.

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Rococó.

-Catedral de Murcia.

El arte rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII. Es la culminación del estilo barroco.

Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los objetos de forman la composición de este fragmento de la catedral.

Es una obra en relieve, por el motivo de que no podemos apreciar la obra desde puntos de vista diferentes (ángulos). Se encuentra dependiente de una superficie mayor para formar la composición. Dentro del relieve, podemos distinguir tres tipos, relieve bajo, medio y alto, en este caso, hablamos de un relieve medio, por el motivo de que la obra no queda totalmente dentro de la superficie, ni tampoco superpuesta en su totalidad.

La forma de las figuras, podría ser clasificable como convexa, ya que nos transmite la sensación de espacio lleno, por el contrario que las cóncavas, que nos transmiten sensación de espacio vacío.
La obra, nos sugiere diferentes movimientos dependiendo del lugar que comentemos. En la parte superior podemos apreciar movimiento sugerido, el del vuelo de los ángeles, al contrario que en el centro, que nos transmite una sensación de quietud.
Es un relieve bastante asimétrico, y a su vez equilibrado. Podemos apreciar el peso totalmente repartido, y los mismos objetos, formas... y demás detalles en los extremos opuestos al eje de simetría.
El color, al igual que en obras anteriores es monocromado, por el motivo de que solo apreciamos el color del material con el que está realizada, piedra.

La textura es muy variada. Podemos apreciar textura de los ropajes, piel, objetos, alas... Que han adquirido ese tipo de forma a causa del material empleado para su creación.

Este relieve, fue creado mediante el método sustractivo, en el que se eliminan mediante la técnica de la talla, el material sobrante del bloque de piedra inicial.

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Arte moderno
-Female head
-Picasso.
-Situada en Halmstad, Suecia.

Es una escultura bastante abstracta, debido a que no se puede apreciar facilmente con que se corresponde la forma de la composición. Observándola, con ayuda del título asignado por su autor, Picasso, podemos llegar a entenderla, comparándola con partes de la cara, que varian dependiendo del lugar en el que se observe la figura. En este caso, en la fotografía apreciamos el perfil izquierdo, de una faceta femenina.

La figura es exenta, debido a que no es parte de ninguna otra superficie mayor, por lo que podemos visualizarla por todos sus ángulos, observando cualquier elemento de la composición. Respecto a la forma de este objeto tridimensional, podría hablar de la combinación establecida entre el espacio lleno y vacío, por el motivo de que se pueden apreciar partes de la superficie cóncava, simulando el espacio vacío, y en la superficie total, podríamos hablar de figura convexa, ya que da sensación de espacio lleno.
No transmite sensación de movimiento, ya que al ser abstracta, no se distingue de que elemento hablamos. sin embargo, las líneas de fuerza que señalan alguna dirección podrían ser la forma triangular que se encuentra en la parte superior, y por su forma ascendente nos transmite sensación de verticalidad.
Es una obra asimétrica, y desequilibrada, como podemos observar en el ángulo visible de la fotografía, ya que el peso recae más en el lateral izquierdo.
La escultura es monocroma, ya que no posee ningún tipo de pigmentación. El único color que podemos apreciar, es el del material con el que está utilizado, en este caso, cemento.

Para crearla se utilizó el método del vaciado, en el cual, la escultura real, será de grandes dimensiones, por lo que combiene, crear primero un modelo, de materiales blandos, como la arcilla.
Después de haber creado el modelo, se pasa a la elaboración de la escultura real. Utilizando un molde, se vierte el material líquido, en este caso cemento, que al fraguar se endurece, adoptando la forma del molde que lo contiene.

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Arte contemporáneo
-Es una obra perteneciente al Centro de Arte Contemporáneo, situado en Málaga.
Es una escultura figurativa, ya que podemos reconocer fácilmente de que figura se trata, en este caso, es una figura masculina en exenta, ya que no depende de otra superficie, por lo que podemos observar todos sus ángulos.

Es una figura convexa, debido a que podemos apreciar espacio lleno, en lugares, como por ejemplo, el torso del hombre, las piernas...
Las líneas de fuerza se encuentran en las rodillas, y los hombros, marcando direcciones, respectivamente opuestas. Da sensación de dinamismo, debido a que se encuentra con las rodillas flexionadas intensificando la curvatura producida por la inclinación de su cuerpo hacia el lado derecho.
Es una escultura simétrica, debido a que al peso de la figura queda repartido en ambos extremos, por lo que podemos percibir una sensación de equilibrio.
Respecto al color, es una escultura policromatica, ya que posee diferentes colores. En la parte inferior, podemos apreciar tonalidades neutras, como el marrón, combinado con el color negro, dando color al pantalón del hombre. En la parte superior, viste una camisa blanca. El color de su piel, y pelo, es oscuro, y bastante similar.
Posee una textura propia del material con el que esta realizada, plástico pulimentado. Obtenido a partir del método del vaciado, con la técnica de fundición, por la cual se utiliza un molde, tras haber diseñado la obra, para así poder repetirla tantas veces como se desee.

El beso (Gustav Klimt)

Identificación
-El beso, o, también conocido como ''Los amantes''.
-Gustav Klimt.
-1907-08.
-Museo Österreichische Galerie Wien.
-180 x 180 cm.

Lectura formal
-Pintura de la técnica óleo sobre lienzo.
-Está pintada sobre un formato cuadrado.
-Es una obra figurativa, ya que podemos apreciar con claridad el elemento principal de la obra, es decir, los dos personajes. El fondo, si es abstracto, ya que no se distinguen formas en el.
Los personajes se encuentran situados en un fondo, cuyo color predominante es el marrón, y el dorado en menor cantidad. La pareja, compuesta de un hombre y una mujer, se encuentra abraza, al borde de un precipicio repleto de flores.
El hombre, es díficil interpretar su postura, ya que no se puede apreciar si está de pie, o de rodillas. Es de tez oscura, con cabellos castaños, en los que luce una corona de flores. Su rostro no es visible, debido a que mantiene la cabeza girada, besando la cara de la mujer, mientras le sujeta el rostro.
Viste con una larga túnica, de color oro, con detalles geométricos, como rectángulos negros, blancos, grises... en representación de símbolo fálico, es decir, semejanza con el órgano reproductor masculino; en la vestimenta de la mujer se puede observar similitud respecto al color, es decir, un vestido de color oro, ceñido al cuerpo, el cual, deja descubierto el brazo y parte de las piernas. Tiene detalles geométricos, en forma circular, los cuales podrían representar, en este caso, el órgano reproductor femenino. La mujer, se encuentra arrodillada de espaldas al precipicio, sobresaliendo sus pies en el borde, a modo de sujeción. Se muestra tranquila, mostrando afecto hacia el hombre, de manera que su mano izquierda sujeta la mano que el hombre mantiene sobre su cara, la cual, se encuentra reclinada hacia atrás, con la cara girada hacia el espectador, mientras mantiene los ojos cerrados. La otra mano, derecha, se encuentra agarrando el cuello del hombre.
La mujer es de tez pálida, labios color carmín, pelo castaño, más claro que el del hombre, en el que podemos apreciar una corona de flores.
-Podemos distinguir formas geométricas, como rectángulos, circunferencias, situadas en la vestimenta de los personajes, interpretados como símbolos fálicos, anteriormente explicados en la lectura formal.
Encontramos formas orgánicas, en las flores del suelo, colocadas de manera azarosa en la pequeña porción de pradera que podemos apreciar.

-Los elementos más importantes de la obra son los dos personajes, situados al borde del precipicio de manera ordenada, transmitiéndonos una sensación de armonía.

Es una obra asimétrica, debido a que el peso recae en el centro de la obra, dejando casi el mismo espacio en ambos lados laterales.
-Se utiliza una gama de colores bastante variada, aunque predomina el color oro, el cual, irradia luz por todo el cuadro.
Podemos encontrar el fondo, de colores neutros, como el marrón, y por otro lado, pequeños detalles de color oro.
El personaje masculino, tiene un tono de piel cálido, al contrario que la mujer, la cual, posee un color pálido, grisáceo.
En el prado, el color predominante es el verde de las hierbas, en conjunto con tonos rojizos, oros... que dan color a las flores situadas de manera azarosa entre las hierbas.

Lectura Contextual

Esta obra de Gustav Klimt se basa en su propio estilo, personal, en el cual muestra, al igual que en la mayoría de sus cuadros, la figura femenina, en este caso, en posesión de ropa, y no desnuda, como solía pintar a las mujeres normalmente.

En este caso la joven, físicamente, tiene varias cualidades admiradas por Klimt, como por ejemplo un cuerpo delgado, pálida...

Fue considerada una obra de símbolos propios de la secesión, una asociación formada por artistas de artes visuales en Austria, aunque este grupo, ya se había separado, desechaban la idea sobre la pintura conservadora, pretendiendo innovar

A lo largo de la carrera de Klimt, repite esta temática en muchas de sus obras, como por ejemplo, en obras como: El Friso de Beethoven, Amor, Filosofía...

Friso de Beethoven

En la obra de El beso, la complexión fuerte del hombre, y su actitud de dominio, podrían indicar, según especialistas, que la obra podría tratarse de un autorretrato, en compañía de su amiga Emilie Flöge. La hermana de está, llamada Helene, estaba casada con el hermano de Gustav Klimt, Ernest Klimt. Junto a Emilie pasó numerosos veranos en una casa que esta poseía junto al lago Atter, el cual, pudo servirle como inspiración para sus paisajes.

Una de las características destacadas de esta obra, es la utilización en exceso del pan de oro, el cual reparte por toda la obra, en el fondo, las flores, y sobretodo, la ropa. Esta inspiración proviene del que algún día, fue el trabajo de su padre, cincelador de metales nobles, como plata, oro...

Otro detalle que podemos observar, es la utilización de coronas de flores, las cuales coloca en el pelo de la mujer, aunque en este caso, también podemos apreciarla en el cabello del hombre.

Seguimos con la utilización de figuras geométricas, formas abstractas, que Klimt, plasma en todas sus obras, destacando, obras calificadas como pornográficas.

De nuevo, podemos observar como Klimt, se inspira en otra obra del famoso escultor y amigo, Rodin. La escultura, también llamada El beso, muestra a una pareja, que como su propio título indica se están besando, sentados sobre una especie de roca; la mujer de la escultura, al igual que la de la pintura se estrechan contra el hombre en un leve abrazo, posando el brazo sobre el cuello del hombre.

Lectura Temática

Es una escena antinatural, debido a la posición forzada que toma la pareja, en la que el ejerce la autoridad, y la mujer es pasiva, el espacio del fondo, que no nos permite averiguar datos del lugar dónde se encuentra el prado, la tonalidad dorada cegadora...

Sige los cánones del Simbolismo, ya que utiliza colores fuertes, pasteles, difusiones de color… para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Utilizando este estilo podría pretender expresar su estado de animo, emociones… Y plasmar su mundo de sueños y fantasías.
Se ha llegado a considerar, como tema principal del cuadro una lucha femenina por liberarse del machismo que se daba en la época; Amor es otro cuadro de Gustav Klimt en el que se puede apreciar el poder ejercido por el hombre sobre la mujer, la cual, se muestra sumisa al hombre.

Nacimiento de Venus (Sandro Botticelli)

Identificación
- Nacimiento de Venus.
- Sandro Botticelli.
- 1484.
- Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
- 184'5x285'5 cm


Lectura Formal
- La obra que vamos a describir a continuación, es una pintura de temple sobre lienzo.
- Está pintada sobre un formato rectangular.

- La obra que paso a describir, es figurativa, debido a que todos sus elementos son claramente distinguibles.
El elemento principal de la obra es la diosa Venus, la cual, podemos apreciar en la parte central del cuadro. Se encuentra emergiendo en una concha rodeada de pequeñas olas y remolinos, de un mar color verdoso.

A la izquierda se encuentran otros dos personajes. Uno de ellos, Céfiro (Dios del viento del oeste, mensajero de la primavera).

Cloris Ninfa de la brisa, esposa de Céfiro a quienes los romanos llamaron Flora.

La diosa Venus, se encuentra desnuda, de pie en la concha. Su posición muestra retraimiento, ya que se cubre con la mano derecha gran parte de su busto, dejando ver uno de sus pechos. Con la otra mano, sostiene su larga cabellera rubia ondulada, sujeta por una cinta, para torpemente tapar sus genitales, los cuales, estaban prohibido mostrar si poseían vello.
Su rostro posee una expresión serena, con la mirada pérdida, mientras que el viento mueve su pelo. Tiene los ojos claros, color miel, tez pálida y labios de un tono rosado.

El tono pálido de su piel podría recordarnos a una estatua, debido a su color marfil y su firmeza.
Se encuentra en una postura curvada, depositando el peso de su cuerpo en la pierna izquierda, mientras levemente mantiene levantado el pie derecho, en una leve flexión de rodilla.

Céfiro y Cloris, se encuentran abrazados fuertemente, lo que podría simbolizar la unión entre la materia y el espíritu. A su alrededor caen flores debido al soplo de aire procedente de sus labios.
Se encuentran desnudos, cada uno de ellos con un manto anudado al cuello, el cual tapa sus genitales, y un pecho de Cloris.
Ambos tienen una larga cabellera rizada; Céfiro castaña y Cloris rubia. Tienen la tez pálida y poseen alas en sus espaldas.

A la derecha del cuadro, podemos observar una de las Horas, es decir, según la mitología, las Horas eran las diosas de la naturaleza, y las estaciones del año.
En este caso, podría ser la Primavera, ya que pensaban que esta era la estación del renacer.
Llevaba un largo vestido blanco, de motivos florales, rodeando su cintura, se encontraba un cinturón de flores y en su cuello tenía una especie de guirnalda de mirto, lo que podría significar que la planta era símbolo del amor eterno
Primavera esperaba a la diosa Venus en la playa, para taparla con un manto rojo de motivos florales.

El fondo del cuadro es un bello paisaje, en el que se puede apreciar la amplitud del mar perdiéndose en el horizonte, en unión con el mar, y a la derecha se encuentran varias calas detrás de Venus, y detrás de Primavera, un gran árbol que podría pertenecer a un bosque de naranjos en flor perteneciente al jardín sagrado de las Hespérides (Ninfas hijas del atardecer que custodiaban el jardín).
El significado de los naranjos podría hacer referencia a la familia Médicis. (Al igual que en el cuadro Primavera, se representa una escena dónde aparecen los naranjos en flor.)

- Podemos distinguir formas geométricas, ovaladas en los rostros de los personajes de la obra, formas curvilíneas en sus cuerpos.Formas orgánicas en las porciones de tierra que se pueden apreciar en el fondo, en la ropa, en la concha en la que se encuentra Venus... Formas estructuradas en el propio cuerpo.Elementos colocados de manera azarosa, podrían ser las hojas de el árbol que se encuentra a la derecha, el motivo floral del vestido de Primavera, mechones del cabello de los personajes...
-Los elementos más destacados de la obra se encuentran ordenados horizontalmente, de manera que a la izquierda queda la pareja, en el centro, la figura más importante (diosa Venus), y en el lateral derecho la Primavera. Podemos percibir una sensación de movimiento ocasionada por las posturas en la que se encuentra la pareja, volando en el aire, el soplo de aire procedente de sus bocas empujando flores hacia Venus... El movimiento del cabello de Venus ocasionado por el soplo de aire, las olas del mar, el movimiento de brazos de la Primavera para cubrir a Venus con el manto....

Es una imagen bastante simétrica, debido a que entre cada personaje podemos apreciar casi un mismo espacio de separación, y el peso, podemos apreciar, que levemente recae en el lateral derecho, pero, aún así, sigue siendo una imagen bastante asimétrica.
-La gama de colores es muy variada, contrastando colores fuertes con colores apagados, al igual que fríos y cálidos.
Para el árbol utiliza tonos de verde oscuro, con reflejos dorados. El cielo, es de un azul claro, en su parte superior con tonos más oscuros, al contrario, la parte inferior posee colores más claros, que se contrastan con el color del mar, el cual, posee una línea en el horizonte de color oscura separando cielo y mar. Este último es de un color azul claro, con partes blanquecinas, olas de tonos claros, blancos... en contraposición al tono oscuro, verde, y en partes, amarillo, de la costa, y de la porción de tierra que se adentra en el mar, formando calas. En el lugar, del que emerge la concha del mar, este se vuelve de tonos neutros, negros, azules oscuros, creando una leve espuma de tonos grisáceos, esta oscuridad proyectada en el mar, es la sombra del árbol anteriormente mencionado.

La primavera, posee un color de pelo rubio, tez pálida, vestido color blanquecino, y el manto, color rojo, con motivos verdes, al igual que los adornos que decoran su cuerpo.
La Venus, posee un cuerpo de color marfil, pelo rubio con reflejos castaños, ojos claros, color miel, labios rosados... La concha en la que se encuentra es, al igual que su piel de color marfil, con sombras de tonos neutros, como el gris. La parte de la concha que se encuentra sumergida en el mar, podemos apreciar, debido a una pequeña parte que queda en la superficie, un color amarillo, desgastado.
Céfiro, tiene un tono de piel más sonrosado, de cabellos castaños, recubierto de un manto de tono neutro, gris, y sombras de color moradas, y lugares más iluminados, adquieren un color más claro. Sus alas son neutras, marrones, con algún reflejo de claridad.
Por último, en la pequeña parte de Cloris que podemos apreciar, se puede observar un tono de piel pálido, cabellos rubios, manto color café, y unas alas iguales a las de Céfiro, sólo que poseen una tonalidad más clara. Respecto a las flores que llueven sobre Venus, son rosas blancas, con algún leve reflejo rojo.

Lectura Contextual

Estilo

El nacimiento de Venus, es una pintura perteneciente al estilo artístico del Quattrocento, debido a que se desarrolla en el siglo XV. También conocido como Renacimiento, el cual se basaba en un movimiento surgido en los siglos XV y XVI. Fue una época marcada por avances en el campo de las artes.
Surge de autores italianos, como por ejemplo, el propio Botticelli que pretendía abordar otros temas como la mitología, y dejar atrás la religión, plasmada en todos los aspectos de la vida, como libros, y demás pinturas anteriormente creadas. Es decir, se dejó atrás el teocentrismo de la Edad media, en el que se pensaba que Dios era lo más importante, y se adopta una actitud de antropocentrismo, los hombres empiezan a centrarse en ellos mismos, sus propios sentimientos y deseos... Por lo que se crea una nueva forma de ver el mundo.
Sandro Botticelli fue uno de los artistas comprometidos al desarrollo de nuevas técnicas de pintura, escultura...
Verrocchio, fue un importante escultor, orfebre y pintor del Renacimiento italiano, el cual, trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Este tuvo como alumno y Sandro Botticelli, el cual se vio inspirado en el estilo clásico del primer renacimiento. Otro de los artistas, por el cual Sandro, se formo e insipiró para su obra, fue Fra Filippo Lippi, el cual comenzó su trayectoria artística con obras de temas religiosos, en especial, vírgenes, como la Virgen del Rosal.
A este mismo periodo también pertenecen La adoración de los reyes magos y el Díptico de Judit, obras muy importantes de Botticelli.

Debido a su gran prestigio en 1481, fue contratado en Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes pintores. Cuando regresó a Florencia creó obras como la Natividad mística, basada en una visión de acontecimientos predispuestos por las profecías del Apocalipsis.

Una de las características propias pertenecientes a las obras de Botticelli, sería el plasmar largos cabellos, en símbolo del erotismo, el cual añadió de manera exagerada a su obra de Venus, en la cual se muestra la diosa cubriéndose los genitales con el cabello. Botticelli, pudo verse inspirado en estatuas Helenísticas, como la Venus de Milo.

Por otra parte, se piensa que Botticelli tenía un prototipo de belleza basado en la tez pálida, larga cabellera rubia... Ya que se han podido apreciar, en muchas de sus obras, como por ejemplo, La calumnia de Apeles, como ejemplifica a este prototipo de mujer.

Otras posibles suposiciones que llevaron a Botticelli a inspirarse para crear a la diosa Venus, fue Simonetta Vespucci, una musa italiana del renacimiento, familiar de Américo Vespucio, acompañante de Cristóbal Colón en su viaje cumbre, en el cual descubrió el Nuevo Mundo, América. Simonetta, tenía un rostro muy similar al que Botticelli solía representar en sus vírgenes, era joven, de boca cerrada y ojos claros...

Función

El Nacimiento de Venus, fue un encargo por parte de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino del conocido Lorenzo el magnífico, príncipe de Florencia perteneciente a los Médicis Cagaggiolo, una familia influyente y poderosa de Florencia, de la cual, los hijos de Lorenzo, se forman como Papas, dirigentes de Florencia, miembros de las familias reales de Francia e Inglaterra... Fue encargada para adornar Villa di Castelló, la cual estaba situada en la campiña florentina


Tema

Botticelli innovó dejando atrás temas religiosos, y comenzó a plasmar temas mitológicos. En este caso, plasma a la diosa Venus, diosa del amor, en cuya leyenda, se cuenta que nació de los genitales del dios Urano, los cuales fueron cortados por su hijo Crono, como manera de vengarse, por el daño ocasionado a su madre, Gea. Tras haber cortado sus genitales los arrojó al mar. El título de esta obra, no es acorde con sus características, ya que se puede apreciar momento de la llegada de Venus, sobre una concha, a una playa procedente de alguna de las islas que más culto se le dedicaban, como Citerea, Chipre...

Ha sido un cuadro interpretado como uno de los máximos exponentes del neoplatonismo, un sistema filosófico que nació en Alejandría, siglo III. Es una obra, que simbólicamente representaría el nacimiento de la Venus Humanitas, es decir, la armonía, unidad... Plasmada entre los tres elementos, tierra, aire y mar. Un tema, comúnmente tratado en el Renacimiento por los artistas, fue el seguir los mandatos de Platón, en los que se decía que el ser humano tendría que buscar la unión de amor, belleza y verdad; cualidades encontradas en la figura de la Venus.