Elección de las diez esculturas

Arte egipcio

-Triada de Micerinos.
-Se encuentra en el Museo Egipcio de El Cairo.
-En la época del Imperio Antiguo, creada a mediados del tercer milenio a. C. (2639 a 2504 aC).
-Altura: 92'5 cm
-Es una escultura realista, debido a que representa a tres personas, en este caso dioses, ciñéndose a las características humanas del ideal de belleza de la época.
Es un relieve alto, debido a que sobresale bastante de la superficie en la que se encuentra. Fue utilizado para decorar la pirámide de Menkaura.

La forma de la composición tridimensional nos da la sensación de verticalidad, además transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el avance hacia delante, como caminando moviendo brazos y piernas. Podemos apreciar que la figura de la derecha se encuentra estática. Las líneas de fuerza crea masas y huecos, como podemos observar en el espacio que se encuentra entre ambas piernas de la figura central.
Se puede observar la presencia de un gran equilibrio debido a la manera en la que se encuentran situados los personajes. Dándole más importancia a la figura masculina situada en el centro que a las dos figuras iguales femeninas, situadas en los extremos. Dando una sensación de simetría en la obra completa. Ya que siguen la ley de frontalidad en la que las figuras son creadas para una visualización frontal.
Al representar tres personajes con características humanas, cada uno de ellos posee simetría axial.
Es una obra monocromática debido a que solo tiene un color, el del material con que está realizado, pizarra.
Se pueden apreciar diferentes texturas como las de la ropa, piel, suelo...
Esta realizada por el método sustractivo debido a que se crea a partir de un bloque de piedra compacta, para finalmente, mediante la técnica de la talla, obtener la composición.


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Arte griego

-Dama de Auxerre, o también conocida como, Kore de Auxerre.
-Se encuentra en el Museo del Louvre (París).
-Escultura griega, perteneciente al periodo arcaico.
-Creada en el siglo VII a.C.
-65 cm de altura.

Es una escultura realista, a modo de representación de una figura femenina, en este caso, hipotéticamente creada en honor a la diosa Perséfore, reina del inframundo.
Figura exenta, debido a que no es parte de ninguna otra superficie mayor, y podemos visualizarla por todos sus ángulos, observando cualquier elemento de la composición.
Transmite sensación de verticalidad, debido a la postura que tiene la escultura, además de cierto movimiento, sugerido en el brazo derecho, elevado a la altura del pecho.
Las líneas de fuerza se encuentran, en su mayoría, en los brazos, señalándonos, el izquierdo el suelo, y el derecho hacia arriba.
En esta figura se combinan espacio lleno y espacio vacío. El espacio vacío se encuentra entre el hueco que separa el brazo izquierdo de la cintura de la figura, al igual que el brazo derecho. Por otra parte, se puede apreciar espacio lleno en su mayoría, en lugares como por ejemplo el rostro, o bien, la parte del vestido que tapa las piernas... Por lo que podría ser clasificable como una figura convexa.
Podemos apreciar simetría en la obra, debido a que mayormente, el peso de la obra queda repartido por ambos lados de la figura. Un pequeño detalle, sería el brazo, que se encuentra en una postura diferente, aunque aún así se percibe bastante equilibrio.
La obra posee simetría axial, debido a que representa una figura femenina, con rasgos humanos.
Es una obra policromada, debido a la posesión de varios colores, que varían dependiendo de la zona en la que estén aplicados. Pelo negro, tez pálida, vestido de varias tonos del magenta, azul apagado en las formas geométricas que posee el vestido, detalles de color amarillo como el cinturón, y los brazaletes... De esta manera, al aplicar color, se elimina cualquier resto visible de la policromía inicial, el material utilizado para su creación, en este caso, madera. La textura es propia del material utilizado, el tacto de la madera pulimentada. El método utilizado, es el sustractivo, en madera, con la técnica de la talla, de manera que se extrae parte del material, para crear la figura que se desea obtener.

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Arte Grecia Antigua

-Eros tensando el arco.
-Creado en el clasicismo (siglo IV a. C.) la época de transición del griego clásico al periodo helenístico. (Grecia antigua).
-Se encuentra en Museos Vaticanos.
-Creado por Lisipo, un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso. Considerado uno de los tres escultores más importantes (junto a Escopas y Praxíteles) de la segunda fase del clasicismo.
Es una obra surrealista debido a que representa una figura adaptada a los rasgos humanos masculinos, pero con el detalle de las alas, causante de que la obra no sea realista.
Es una obra exenta, debido a que no se encuentra adjunta a otra superficie mayor, es decir, es totalmente independiente. Observable por cualquiera de sus ángulos.
Se puede observar espacio vacío, por lo que sería clasificable como una figura cóncava, apreciable en lugares como el espacio que queda entre sus piernas, sus brazos, el espacio entre las alas, el arco y el cuerpo...
Las líneas de fuerza se encuentran en una línea imaginaria que podría ir desde el pie izquierdo hasta la cabeza. Otra podría ser la dirección que marcan sus brazos, mientras sujetan el arco.
La sensación producida por la postura que adopta la figura, podría ser de quietud, de forma que las rodillas quedan flexionadas, los brazos alzados sujetando el arco, como si quisiera representar el momento en el que está ajustando su puntería, por lo que deberá permanecer quieto. Posee simetría y equilibrio, ya que el peso de la figura queda repartido por toda la obra. El escultor, Lisipo, cuando creó la obra, ''calculó'' hacía dónde sería mas vulnerable la escultura, de forma que añadió un tronco de árbol, a modo de sujeción. Respecto al color, es monocromático, ya que conserva el color del material con el que fue creado, en este caso, piedra. Así, su textura será la de la madera pulimentada. El método utilizado es el sustractivo debido a que se utiliza, como material, la piedra, con la técnica de la talla, de manera que se va sustrayendo parte del material inicial, un bloque de piedra, para así obtener la forma deseada.

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Arte románico

Pórtico de la Gloria, acabado en 1188 , situado en la Catedral de Santiago de Compostela), creado por el Maestro Mateo.
El Arte románico fue el estilo que predominó en Europa en los siglos XI, XII y parte del XIII. Se basa en el arte cristiano, es decir, representación de escenas religiosas...
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los elementos de la composición.
Es un relieve, debido a que se encuentra adjunto a otra superficie mayor, para así poder formar la composición, en este caso, el pórtico. Existen varios tipos de relieve, alto, medio y bajo. En este caso hablamos de un alto relieve, ya que los elementos sobresalen bastante de la superficie inicial. La forma de la obra sería convexa, debido a que podemos apreciar espacio lleno en gran parte de la obra, como por ejemplo, en la parte superior del tímpano.
Las líneas de fuerza, se encuentran en los personajes que recorren todo el borde del tímpano, marcando diferentes direcciones, en posición ascendente.

La obra nos da sensación de quietud, ya que los personajes permanecen sentados tranquilamente, alrededor del personaje principal, el cual tiene mayor tamaño, y se encuentra situado en la parte central del tímpano.

Podemos hablar de una simetría axial, debido a que percibimos sensación de equilibrio compositivo y orden. Los elementos se encuentran repartidos de igual forma, como expliqué en el párrafo anterior, un personaje principal, más notorio, debido a su grandeza, y a sus respectivos lados, igual peso de personajes, y demás detalles, de menor tamaño.

Actualmente es un relieve monocromo, ya que no percibimos ningún color, debido a que con el paso del tiempo, se ha ido perdiendo la pintura que poseía. Sólo apreciamos el del material con el que está realizado, en este caso, piedra.
Creado por el método sustractivo, mediante la técnica de la talla se ha ido restando parte del bloque inicial hasta conseguir la forma deseada, mediante un cincel, la gubia... u otros instrumentos.
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Arte gótico

-Las vírgenes necias.
-Catedral de Magdeburgo.
-Hacia 1250.
-Estilo gótico.
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir todos los elementos de la composición, en este caso, tres vírgenes.
Es una escultura en relieve alto, ya que se encuentran superpuestas en la superficie de la pared en la que se encuentran.
Las figuras son convexas, ya que podemos apreciar espacio lleno en su gran mayoría, exceptuando lugares como la curvatura de los vestidos… y demás pequeños detalles.
Las líneas de fuerza se encuentran en sus brazos, el brazo izquierdo de las figuras marca dirección ascendente, al contrario que el derecho, el cual, marca dirección descendente. Otras líneas de fuerzas apreciables serían sus cabezas, debido a la posición que adoptan, apoyadas en las manos izquierdas…
Transmiten sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, como el apoye de la cabeza en la mano.
Es una obra muy simétrica, y equilibrada, ya que el peso esta completamente repartido por todo el relieve, compuesto de una figura central, en cuyos lados, se pueden apreciar otras dos.
El relieve, posee un acabado minocromo, ya que no advertimos la presencia de ningún tipo de color, excepto el del material con el que está realizada, en este caso, piedra.
Está creada a partir del método sustractivo, mediante la técnica de la talla en piedra.


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Arte renacentista.

-La piedad.
-Realizada por Miguel Ángel.
-Entre 1498 y 1499.
-Sus dimensiones son 174x195 cm.
-Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
Es una obra figurativa debido a que podemos distinguir todos los elementos presentes en la composición.
Es una escultura en exenta u obra es de bulto redondo, son sinónimos de lo que se define como una escultura capaz de apreciarse desde diferentes puntos de vista (ángulos). No depende de una figura, o superficie mayor que la contenga, sino que es individual.

a forma de los objetos tridimensionales, en este caso sería cóncava, ya que da sensación de espacio lleno, por el contrario de obras de forma convexa, cuya percepción se compara con la sensación de espacio vacio.
Una de las líneas de fuerza podría estar situadas en los pies del cristo que se encuentra apoyado sobre un pequeño tronco, marcando una dirección, hacia la parte inferior derecha. Su brazo derecho nos marca también una dirección hacia la parte inferior de la escultura.
Se encuentra recostado, con la cabeza hundida hacia atrás, manteniendo la vista alzada...
La virgen con su dedo izquierdo, nos muestra la misma dirección que el pie izquierdo de la figura masculina, dirección derecha inferior. Su cabeza, podría ser otra línea de fuerza, ya que se mantiene inclinada hacia delante.
Transmite sensación de movimiento sugerido, por el motivo de que no se pueden mover, sin embargo, expresan alguna acción, por ejemplo el movimiento de manos, pies, cabezas, sujetar a cristo en esa postura...
Esta composición tridimensional posee simetría axial, ya que podemos observar cierta desigualdad de peso, pero en su mayoría esta totalmente repartido, se puede apreciar equilibrio compositivo.
Respecto al color, podemos encontrar una superficie monocromada (ningún color, excepto el del material utilizado), en este caso, mármol. La textura, es propia del material, en la que cabe destacar, las arrugas de la ropa que poseen, del pelo, la piel...
Se creó por el método sustractivo, partiendo de un gran bloque de mármol, mediante la técnica de la talla extrayendo el material sobrante, para así dar forma, y obtener el resultado final.

Barroco.

-El rapto de Proserpina. También conocida como, Hades y Perséfore.

-Gian Lorenzo Bernini.

-Creada entre los años 1621 y 1622.
-Galleria Borghese.
Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los elementos de la composición, en este caso, los dos personajes.
Es una escultura exenta (individual), ya que no depende de otra superficie mayor que la contenga, por lo que podemos apreciarla desde todos sus ángulos.
Las formas que la componen, dan sensación de espacio lleno, por lo que podríamos clasificarla de figura convexa. La sensación de espacio lleno, está producida pos los dos cuerpo, y la sujeción colocada por el escultor.

Las líneas de fuerza que podemos apreciar, podrían ser le pierna derecha de Hades, que se encuentra en una posición forzada, estirando la pierna hacia atrás, y la otra, se encuentra flexionada hacia delante. Proserpina, o Perséfore, se encuentra intentando liberarse de sus brazos, de manera que mantiene el derecho elevado, marcando dirección ascendente, y el otro, apartando la cara de Hades, rey del inframundo.
De nuevo, como en varias obras anteriores, podemos hablar del movimiento sugerido, ya que no se pueden mover, sin embargo, expresan una acción. en este caso, la acción sería la lucha, por la evasión, la liberación de los brazos de Hades...

La simetría axial, se encuentra presente en esta obra tridimensional, al igual que el equilibrio, por el motivo de que el peso de la obra se encuentra repartido de manera similar.

Es una obra monocroma, ya que no podemos apreciar ningún color excepto el del material utilizado, piedra en este caso. Las texturas que podemos apreciar estarían situadas en la superficie en ambos cabellos, piel, ropa...

Esta realizada por el método sustractivo debido a que se crea a partir de un bloque de piedra compacta, para finalmente, mediante la técnica de la talla, obtener la composición.

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Rococó.

-Catedral de Murcia.

El arte rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII. Es la culminación del estilo barroco.

Es una obra figurativa, ya que podemos distinguir los objetos de forman la composición de este fragmento de la catedral.

Es una obra en relieve, por el motivo de que no podemos apreciar la obra desde puntos de vista diferentes (ángulos). Se encuentra dependiente de una superficie mayor para formar la composición. Dentro del relieve, podemos distinguir tres tipos, relieve bajo, medio y alto, en este caso, hablamos de un relieve medio, por el motivo de que la obra no queda totalmente dentro de la superficie, ni tampoco superpuesta en su totalidad.

La forma de las figuras, podría ser clasificable como convexa, ya que nos transmite la sensación de espacio lleno, por el contrario que las cóncavas, que nos transmiten sensación de espacio vacío.
La obra, nos sugiere diferentes movimientos dependiendo del lugar que comentemos. En la parte superior podemos apreciar movimiento sugerido, el del vuelo de los ángeles, al contrario que en el centro, que nos transmite una sensación de quietud.
Es un relieve bastante asimétrico, y a su vez equilibrado. Podemos apreciar el peso totalmente repartido, y los mismos objetos, formas... y demás detalles en los extremos opuestos al eje de simetría.
El color, al igual que en obras anteriores es monocromado, por el motivo de que solo apreciamos el color del material con el que está realizada, piedra.

La textura es muy variada. Podemos apreciar textura de los ropajes, piel, objetos, alas... Que han adquirido ese tipo de forma a causa del material empleado para su creación.

Este relieve, fue creado mediante el método sustractivo, en el que se eliminan mediante la técnica de la talla, el material sobrante del bloque de piedra inicial.

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Arte moderno
-Female head
-Picasso.
-Situada en Halmstad, Suecia.

Es una escultura bastante abstracta, debido a que no se puede apreciar facilmente con que se corresponde la forma de la composición. Observándola, con ayuda del título asignado por su autor, Picasso, podemos llegar a entenderla, comparándola con partes de la cara, que varian dependiendo del lugar en el que se observe la figura. En este caso, en la fotografía apreciamos el perfil izquierdo, de una faceta femenina.

La figura es exenta, debido a que no es parte de ninguna otra superficie mayor, por lo que podemos visualizarla por todos sus ángulos, observando cualquier elemento de la composición. Respecto a la forma de este objeto tridimensional, podría hablar de la combinación establecida entre el espacio lleno y vacío, por el motivo de que se pueden apreciar partes de la superficie cóncava, simulando el espacio vacío, y en la superficie total, podríamos hablar de figura convexa, ya que da sensación de espacio lleno.
No transmite sensación de movimiento, ya que al ser abstracta, no se distingue de que elemento hablamos. sin embargo, las líneas de fuerza que señalan alguna dirección podrían ser la forma triangular que se encuentra en la parte superior, y por su forma ascendente nos transmite sensación de verticalidad.
Es una obra asimétrica, y desequilibrada, como podemos observar en el ángulo visible de la fotografía, ya que el peso recae más en el lateral izquierdo.
La escultura es monocroma, ya que no posee ningún tipo de pigmentación. El único color que podemos apreciar, es el del material con el que está utilizado, en este caso, cemento.

Para crearla se utilizó el método del vaciado, en el cual, la escultura real, será de grandes dimensiones, por lo que combiene, crear primero un modelo, de materiales blandos, como la arcilla.
Después de haber creado el modelo, se pasa a la elaboración de la escultura real. Utilizando un molde, se vierte el material líquido, en este caso cemento, que al fraguar se endurece, adoptando la forma del molde que lo contiene.

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Arte contemporáneo
-Es una obra perteneciente al Centro de Arte Contemporáneo, situado en Málaga.
Es una escultura figurativa, ya que podemos reconocer fácilmente de que figura se trata, en este caso, es una figura masculina en exenta, ya que no depende de otra superficie, por lo que podemos observar todos sus ángulos.

Es una figura convexa, debido a que podemos apreciar espacio lleno, en lugares, como por ejemplo, el torso del hombre, las piernas...
Las líneas de fuerza se encuentran en las rodillas, y los hombros, marcando direcciones, respectivamente opuestas. Da sensación de dinamismo, debido a que se encuentra con las rodillas flexionadas intensificando la curvatura producida por la inclinación de su cuerpo hacia el lado derecho.
Es una escultura simétrica, debido a que al peso de la figura queda repartido en ambos extremos, por lo que podemos percibir una sensación de equilibrio.
Respecto al color, es una escultura policromatica, ya que posee diferentes colores. En la parte inferior, podemos apreciar tonalidades neutras, como el marrón, combinado con el color negro, dando color al pantalón del hombre. En la parte superior, viste una camisa blanca. El color de su piel, y pelo, es oscuro, y bastante similar.
Posee una textura propia del material con el que esta realizada, plástico pulimentado. Obtenido a partir del método del vaciado, con la técnica de fundición, por la cual se utiliza un molde, tras haber diseñado la obra, para así poder repetirla tantas veces como se desee.

El beso (Gustav Klimt)

Identificación
-El beso, o, también conocido como ''Los amantes''.
-Gustav Klimt.
-1907-08.
-Museo Österreichische Galerie Wien.
-180 x 180 cm.

Lectura formal
-Pintura de la técnica óleo sobre lienzo.
-Está pintada sobre un formato cuadrado.
-Es una obra figurativa, ya que podemos apreciar con claridad el elemento principal de la obra, es decir, los dos personajes. El fondo, si es abstracto, ya que no se distinguen formas en el.
Los personajes se encuentran situados en un fondo, cuyo color predominante es el marrón, y el dorado en menor cantidad. La pareja, compuesta de un hombre y una mujer, se encuentra abraza, al borde de un precipicio repleto de flores.
El hombre, es díficil interpretar su postura, ya que no se puede apreciar si está de pie, o de rodillas. Es de tez oscura, con cabellos castaños, en los que luce una corona de flores. Su rostro no es visible, debido a que mantiene la cabeza girada, besando la cara de la mujer, mientras le sujeta el rostro.
Viste con una larga túnica, de color oro, con detalles geométricos, como rectángulos negros, blancos, grises... en representación de símbolo fálico, es decir, semejanza con el órgano reproductor masculino; en la vestimenta de la mujer se puede observar similitud respecto al color, es decir, un vestido de color oro, ceñido al cuerpo, el cual, deja descubierto el brazo y parte de las piernas. Tiene detalles geométricos, en forma circular, los cuales podrían representar, en este caso, el órgano reproductor femenino. La mujer, se encuentra arrodillada de espaldas al precipicio, sobresaliendo sus pies en el borde, a modo de sujeción. Se muestra tranquila, mostrando afecto hacia el hombre, de manera que su mano izquierda sujeta la mano que el hombre mantiene sobre su cara, la cual, se encuentra reclinada hacia atrás, con la cara girada hacia el espectador, mientras mantiene los ojos cerrados. La otra mano, derecha, se encuentra agarrando el cuello del hombre.
La mujer es de tez pálida, labios color carmín, pelo castaño, más claro que el del hombre, en el que podemos apreciar una corona de flores.
-Podemos distinguir formas geométricas, como rectángulos, circunferencias, situadas en la vestimenta de los personajes, interpretados como símbolos fálicos, anteriormente explicados en la lectura formal.
Encontramos formas orgánicas, en las flores del suelo, colocadas de manera azarosa en la pequeña porción de pradera que podemos apreciar.

-Los elementos más importantes de la obra son los dos personajes, situados al borde del precipicio de manera ordenada, transmitiéndonos una sensación de armonía.

Es una obra asimétrica, debido a que el peso recae en el centro de la obra, dejando casi el mismo espacio en ambos lados laterales.
-Se utiliza una gama de colores bastante variada, aunque predomina el color oro, el cual, irradia luz por todo el cuadro.
Podemos encontrar el fondo, de colores neutros, como el marrón, y por otro lado, pequeños detalles de color oro.
El personaje masculino, tiene un tono de piel cálido, al contrario que la mujer, la cual, posee un color pálido, grisáceo.
En el prado, el color predominante es el verde de las hierbas, en conjunto con tonos rojizos, oros... que dan color a las flores situadas de manera azarosa entre las hierbas.

Lectura Contextual

Esta obra de Gustav Klimt se basa en su propio estilo, personal, en el cual muestra, al igual que en la mayoría de sus cuadros, la figura femenina, en este caso, en posesión de ropa, y no desnuda, como solía pintar a las mujeres normalmente.

En este caso la joven, físicamente, tiene varias cualidades admiradas por Klimt, como por ejemplo un cuerpo delgado, pálida...

Fue considerada una obra de símbolos propios de la secesión, una asociación formada por artistas de artes visuales en Austria, aunque este grupo, ya se había separado, desechaban la idea sobre la pintura conservadora, pretendiendo innovar

A lo largo de la carrera de Klimt, repite esta temática en muchas de sus obras, como por ejemplo, en obras como: El Friso de Beethoven, Amor, Filosofía...

Friso de Beethoven

En la obra de El beso, la complexión fuerte del hombre, y su actitud de dominio, podrían indicar, según especialistas, que la obra podría tratarse de un autorretrato, en compañía de su amiga Emilie Flöge. La hermana de está, llamada Helene, estaba casada con el hermano de Gustav Klimt, Ernest Klimt. Junto a Emilie pasó numerosos veranos en una casa que esta poseía junto al lago Atter, el cual, pudo servirle como inspiración para sus paisajes.

Una de las características destacadas de esta obra, es la utilización en exceso del pan de oro, el cual reparte por toda la obra, en el fondo, las flores, y sobretodo, la ropa. Esta inspiración proviene del que algún día, fue el trabajo de su padre, cincelador de metales nobles, como plata, oro...

Otro detalle que podemos observar, es la utilización de coronas de flores, las cuales coloca en el pelo de la mujer, aunque en este caso, también podemos apreciarla en el cabello del hombre.

Seguimos con la utilización de figuras geométricas, formas abstractas, que Klimt, plasma en todas sus obras, destacando, obras calificadas como pornográficas.

De nuevo, podemos observar como Klimt, se inspira en otra obra del famoso escultor y amigo, Rodin. La escultura, también llamada El beso, muestra a una pareja, que como su propio título indica se están besando, sentados sobre una especie de roca; la mujer de la escultura, al igual que la de la pintura se estrechan contra el hombre en un leve abrazo, posando el brazo sobre el cuello del hombre.

Lectura Temática

Es una escena antinatural, debido a la posición forzada que toma la pareja, en la que el ejerce la autoridad, y la mujer es pasiva, el espacio del fondo, que no nos permite averiguar datos del lugar dónde se encuentra el prado, la tonalidad dorada cegadora...

Sige los cánones del Simbolismo, ya que utiliza colores fuertes, pasteles, difusiones de color… para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Utilizando este estilo podría pretender expresar su estado de animo, emociones… Y plasmar su mundo de sueños y fantasías.
Se ha llegado a considerar, como tema principal del cuadro una lucha femenina por liberarse del machismo que se daba en la época; Amor es otro cuadro de Gustav Klimt en el que se puede apreciar el poder ejercido por el hombre sobre la mujer, la cual, se muestra sumisa al hombre.

Nacimiento de Venus (Sandro Botticelli)

Identificación
- Nacimiento de Venus.
- Sandro Botticelli.
- 1484.
- Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
- 184'5x285'5 cm


Lectura Formal
- La obra que vamos a describir a continuación, es una pintura de temple sobre lienzo.
- Está pintada sobre un formato rectangular.

- La obra que paso a describir, es figurativa, debido a que todos sus elementos son claramente distinguibles.
El elemento principal de la obra es la diosa Venus, la cual, podemos apreciar en la parte central del cuadro. Se encuentra emergiendo en una concha rodeada de pequeñas olas y remolinos, de un mar color verdoso.

A la izquierda se encuentran otros dos personajes. Uno de ellos, Céfiro (Dios del viento del oeste, mensajero de la primavera).

Cloris Ninfa de la brisa, esposa de Céfiro a quienes los romanos llamaron Flora.

La diosa Venus, se encuentra desnuda, de pie en la concha. Su posición muestra retraimiento, ya que se cubre con la mano derecha gran parte de su busto, dejando ver uno de sus pechos. Con la otra mano, sostiene su larga cabellera rubia ondulada, sujeta por una cinta, para torpemente tapar sus genitales, los cuales, estaban prohibido mostrar si poseían vello.
Su rostro posee una expresión serena, con la mirada pérdida, mientras que el viento mueve su pelo. Tiene los ojos claros, color miel, tez pálida y labios de un tono rosado.

El tono pálido de su piel podría recordarnos a una estatua, debido a su color marfil y su firmeza.
Se encuentra en una postura curvada, depositando el peso de su cuerpo en la pierna izquierda, mientras levemente mantiene levantado el pie derecho, en una leve flexión de rodilla.

Céfiro y Cloris, se encuentran abrazados fuertemente, lo que podría simbolizar la unión entre la materia y el espíritu. A su alrededor caen flores debido al soplo de aire procedente de sus labios.
Se encuentran desnudos, cada uno de ellos con un manto anudado al cuello, el cual tapa sus genitales, y un pecho de Cloris.
Ambos tienen una larga cabellera rizada; Céfiro castaña y Cloris rubia. Tienen la tez pálida y poseen alas en sus espaldas.

A la derecha del cuadro, podemos observar una de las Horas, es decir, según la mitología, las Horas eran las diosas de la naturaleza, y las estaciones del año.
En este caso, podría ser la Primavera, ya que pensaban que esta era la estación del renacer.
Llevaba un largo vestido blanco, de motivos florales, rodeando su cintura, se encontraba un cinturón de flores y en su cuello tenía una especie de guirnalda de mirto, lo que podría significar que la planta era símbolo del amor eterno
Primavera esperaba a la diosa Venus en la playa, para taparla con un manto rojo de motivos florales.

El fondo del cuadro es un bello paisaje, en el que se puede apreciar la amplitud del mar perdiéndose en el horizonte, en unión con el mar, y a la derecha se encuentran varias calas detrás de Venus, y detrás de Primavera, un gran árbol que podría pertenecer a un bosque de naranjos en flor perteneciente al jardín sagrado de las Hespérides (Ninfas hijas del atardecer que custodiaban el jardín).
El significado de los naranjos podría hacer referencia a la familia Médicis. (Al igual que en el cuadro Primavera, se representa una escena dónde aparecen los naranjos en flor.)

- Podemos distinguir formas geométricas, ovaladas en los rostros de los personajes de la obra, formas curvilíneas en sus cuerpos.Formas orgánicas en las porciones de tierra que se pueden apreciar en el fondo, en la ropa, en la concha en la que se encuentra Venus... Formas estructuradas en el propio cuerpo.Elementos colocados de manera azarosa, podrían ser las hojas de el árbol que se encuentra a la derecha, el motivo floral del vestido de Primavera, mechones del cabello de los personajes...
-Los elementos más destacados de la obra se encuentran ordenados horizontalmente, de manera que a la izquierda queda la pareja, en el centro, la figura más importante (diosa Venus), y en el lateral derecho la Primavera. Podemos percibir una sensación de movimiento ocasionada por las posturas en la que se encuentra la pareja, volando en el aire, el soplo de aire procedente de sus bocas empujando flores hacia Venus... El movimiento del cabello de Venus ocasionado por el soplo de aire, las olas del mar, el movimiento de brazos de la Primavera para cubrir a Venus con el manto....

Es una imagen bastante simétrica, debido a que entre cada personaje podemos apreciar casi un mismo espacio de separación, y el peso, podemos apreciar, que levemente recae en el lateral derecho, pero, aún así, sigue siendo una imagen bastante asimétrica.
-La gama de colores es muy variada, contrastando colores fuertes con colores apagados, al igual que fríos y cálidos.
Para el árbol utiliza tonos de verde oscuro, con reflejos dorados. El cielo, es de un azul claro, en su parte superior con tonos más oscuros, al contrario, la parte inferior posee colores más claros, que se contrastan con el color del mar, el cual, posee una línea en el horizonte de color oscura separando cielo y mar. Este último es de un color azul claro, con partes blanquecinas, olas de tonos claros, blancos... en contraposición al tono oscuro, verde, y en partes, amarillo, de la costa, y de la porción de tierra que se adentra en el mar, formando calas. En el lugar, del que emerge la concha del mar, este se vuelve de tonos neutros, negros, azules oscuros, creando una leve espuma de tonos grisáceos, esta oscuridad proyectada en el mar, es la sombra del árbol anteriormente mencionado.

La primavera, posee un color de pelo rubio, tez pálida, vestido color blanquecino, y el manto, color rojo, con motivos verdes, al igual que los adornos que decoran su cuerpo.
La Venus, posee un cuerpo de color marfil, pelo rubio con reflejos castaños, ojos claros, color miel, labios rosados... La concha en la que se encuentra es, al igual que su piel de color marfil, con sombras de tonos neutros, como el gris. La parte de la concha que se encuentra sumergida en el mar, podemos apreciar, debido a una pequeña parte que queda en la superficie, un color amarillo, desgastado.
Céfiro, tiene un tono de piel más sonrosado, de cabellos castaños, recubierto de un manto de tono neutro, gris, y sombras de color moradas, y lugares más iluminados, adquieren un color más claro. Sus alas son neutras, marrones, con algún reflejo de claridad.
Por último, en la pequeña parte de Cloris que podemos apreciar, se puede observar un tono de piel pálido, cabellos rubios, manto color café, y unas alas iguales a las de Céfiro, sólo que poseen una tonalidad más clara. Respecto a las flores que llueven sobre Venus, son rosas blancas, con algún leve reflejo rojo.

Lectura Contextual

Estilo

El nacimiento de Venus, es una pintura perteneciente al estilo artístico del Quattrocento, debido a que se desarrolla en el siglo XV. También conocido como Renacimiento, el cual se basaba en un movimiento surgido en los siglos XV y XVI. Fue una época marcada por avances en el campo de las artes.
Surge de autores italianos, como por ejemplo, el propio Botticelli que pretendía abordar otros temas como la mitología, y dejar atrás la religión, plasmada en todos los aspectos de la vida, como libros, y demás pinturas anteriormente creadas. Es decir, se dejó atrás el teocentrismo de la Edad media, en el que se pensaba que Dios era lo más importante, y se adopta una actitud de antropocentrismo, los hombres empiezan a centrarse en ellos mismos, sus propios sentimientos y deseos... Por lo que se crea una nueva forma de ver el mundo.
Sandro Botticelli fue uno de los artistas comprometidos al desarrollo de nuevas técnicas de pintura, escultura...
Verrocchio, fue un importante escultor, orfebre y pintor del Renacimiento italiano, el cual, trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Este tuvo como alumno y Sandro Botticelli, el cual se vio inspirado en el estilo clásico del primer renacimiento. Otro de los artistas, por el cual Sandro, se formo e insipiró para su obra, fue Fra Filippo Lippi, el cual comenzó su trayectoria artística con obras de temas religiosos, en especial, vírgenes, como la Virgen del Rosal.
A este mismo periodo también pertenecen La adoración de los reyes magos y el Díptico de Judit, obras muy importantes de Botticelli.

Debido a su gran prestigio en 1481, fue contratado en Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes pintores. Cuando regresó a Florencia creó obras como la Natividad mística, basada en una visión de acontecimientos predispuestos por las profecías del Apocalipsis.

Una de las características propias pertenecientes a las obras de Botticelli, sería el plasmar largos cabellos, en símbolo del erotismo, el cual añadió de manera exagerada a su obra de Venus, en la cual se muestra la diosa cubriéndose los genitales con el cabello. Botticelli, pudo verse inspirado en estatuas Helenísticas, como la Venus de Milo.

Por otra parte, se piensa que Botticelli tenía un prototipo de belleza basado en la tez pálida, larga cabellera rubia... Ya que se han podido apreciar, en muchas de sus obras, como por ejemplo, La calumnia de Apeles, como ejemplifica a este prototipo de mujer.

Otras posibles suposiciones que llevaron a Botticelli a inspirarse para crear a la diosa Venus, fue Simonetta Vespucci, una musa italiana del renacimiento, familiar de Américo Vespucio, acompañante de Cristóbal Colón en su viaje cumbre, en el cual descubrió el Nuevo Mundo, América. Simonetta, tenía un rostro muy similar al que Botticelli solía representar en sus vírgenes, era joven, de boca cerrada y ojos claros...

Función

El Nacimiento de Venus, fue un encargo por parte de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino del conocido Lorenzo el magnífico, príncipe de Florencia perteneciente a los Médicis Cagaggiolo, una familia influyente y poderosa de Florencia, de la cual, los hijos de Lorenzo, se forman como Papas, dirigentes de Florencia, miembros de las familias reales de Francia e Inglaterra... Fue encargada para adornar Villa di Castelló, la cual estaba situada en la campiña florentina


Tema

Botticelli innovó dejando atrás temas religiosos, y comenzó a plasmar temas mitológicos. En este caso, plasma a la diosa Venus, diosa del amor, en cuya leyenda, se cuenta que nació de los genitales del dios Urano, los cuales fueron cortados por su hijo Crono, como manera de vengarse, por el daño ocasionado a su madre, Gea. Tras haber cortado sus genitales los arrojó al mar. El título de esta obra, no es acorde con sus características, ya que se puede apreciar momento de la llegada de Venus, sobre una concha, a una playa procedente de alguna de las islas que más culto se le dedicaban, como Citerea, Chipre...

Ha sido un cuadro interpretado como uno de los máximos exponentes del neoplatonismo, un sistema filosófico que nació en Alejandría, siglo III. Es una obra, que simbólicamente representaría el nacimiento de la Venus Humanitas, es decir, la armonía, unidad... Plasmada entre los tres elementos, tierra, aire y mar. Un tema, comúnmente tratado en el Renacimiento por los artistas, fue el seguir los mandatos de Platón, en los que se decía que el ser humano tendría que buscar la unión de amor, belleza y verdad; cualidades encontradas en la figura de la Venus.

Soledad del ciudadano (Herbert Bayer)

Identificación
- Soledad del ciudadano.
-Herbert Bayer
-1932. Siglo XX
-Musum Ludwig Colonia.
- 34x26'9 cm

Lectura formal
- La obra que vamos a describir es un fotomontaje, debido a que es creado como resultado de la agrupación de varias imágenes. Pertenece a la categoría de collages.
- El formato, es un rectángulo vertical en el que se encuentran superpuestas las imágenes.
- Es una obra figurativa, debido a que podemos apreciar claramente los elementos que contiene.
- Predominan las formas geométricas, rectángulos verticales, dándole forma a las ventanas. También contiene formas orgánicas, como el descaste de las ventanas, las manos...
- El elemento principal de la obra se encuentra en la parte central de la imagen, son las dos manos, al parecer de un hombre, mostrando las palmas abiertas, en las cuales hay dos ojos, también abiertos, con sus correspondientes cejas. La mano izquierda, tiene los dedos índice y el pulgar más inclinados hacia la palma de la mano por lo que proyecta una sombra que oscurece el ojo. Se puede apreciar una pequeña parte del antebrazo, tapada por la ropa, que aparentemente parece ser un traje negro, con una camisa blanca, dejando al aire las muñecas mientras que en el brazo izquierdo se puede apreciar un reloj. En ambas muñecas se pueden distinguir las venas.
La imagen no posee asimetría, debido a que las dos manos son diferentes, aunque tengan la misma postura. Los ojos tienen diferente forma y color. El izquierdo, parece ser más redondo y estar más abierto, con un color mas claro, mientras que, por el contrario, el ojo derecho posee un color oscuro, y esta mas cerrado. La ceja izquierda es más gruesa, al contrario que la derecha.
- La iluminación, es muy importante en esta imagen. Proviene de la parte izquierda, debido a que las sombras quedan proyectadas hacia la derecha, y la sensación de oscuridad que se aprecia en el ojo izquierdo es más intensa que en el derecho. Desdibuja la realidad, creando confusión, ya que las sombras pertenecientes a los ojos son contrarias.
La sombra de las manos queda reflejada en un edificio de cinco plantas, con grandes ventanales, descuidado y desgastado por el paso del tiempo.
La imagen carece de colores vivos, es decir, predominan los tonos oscuros en contraste con el blanco. Utiliza el negro para la manga de la chaqueta, la sombra proyectada en el edificio, sobras propias del edificio... varias tonalidades de gris para sombras menos intensas, la fachada del edificio... y por último el blanco para las zonas iluminadas de la mano, del edificio, ventanas...

Lectura contextual

Bayer nació en 1900, Hagg, Austria, y posteriormente emigró a Estados Unidos, dónde murió en 1985.

Las características de la obra son propias de la época en la que vivió, Bayer se muestra influenciado por las ideas surrealistas, conocidas como el estilo del Surrealismo, el cual, ofrece la posibilidad de experimentación, la sensación de realidad, aunque claramente es algo ficticio, es decir, se produce una sensación errónea en nuestra mente de manera inconsciente...

Estas características pueden apreciarse en el detalle anteriormente mencionado en la lectura formal, los ojos situados en la palma de las manos, no corresponden a la sombra que en realidad deberían proyectar, quedando el que debería tener sombra iluminado, y el otro, al contrario.

Lectura Temática

La distorsión del cuerpo humano es un tema habitual en las imagenes surrealistas. Herbert Bayer, tienen ejemplo de este tipo de representación del cuerpo.

Herbert Bayer, desde 1929 hasta 1936 no sólo creó fotomontajes, los cuales retocaba y pintaba, sino que también hacía fotoplásticas llamadas de esta manera por las formas plásticas como huesos o cuerpos geométricos que se combinaban con elementos propios de la naturaleza, como nubes, agua, sombras...

Datos biograficos de Gustav Klimt

1- Su fecha de nacimiento fue el 14 de Julio de 1862, en un suburbio de la ciudad de Viena, en el seno de una familia de clase social baja Su padre era cincelador de metales nobles (oro, plata...)

2- Debido a sus meritos y habilidades, a los 14 años dejo su colegio local, para ingresar en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, en la que permaneció hasta 1883.

3- Aprendió de maestros como Laufberger y Víctor Berger.

Laufberger: Genio de la pintura nacido en Austria fue profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Viena donde conoció y dio clases a Gustav Klimt. Recibió encargos importantes, como la decoración de palacios y edificios de Viena. Pretendía transmitir la importancia de la unión de pintura y arquitectura.

4- A finales de los 70, forma una asociación con su hermano Ernst y su amigo Frank Matsch llamada Kunstlercompagnie (Compañía de Artistas). Recibe encargos muy importantes como la decoración del patio de Kunsthistorisches.

5- Encuentran sus propios estilos, por lo que el grupo se separa. El estilo adquirido por Gustav se basaba en la utilización del pan de oro, las formas femeninas...

6- Sus obras comenzaron a ser bastante polémicas, debido a su contenido, llegaron a ser clasificadas como pornográficas. Recibió muchas críticas, lo cual le afecto de manera negativa a su trabajo, rechazando y dejándolo fuera de muchos proyectos.

7- Tras la muerte de su padre, y hermano y otros sucesos como la revuelta oficial que tiene lugar en 1897 Klimt crea un grupo de la Secesión vienesa, comenzando a pasar veranos con su amiga Emilie Flöge en el lago Atter, el cual le sirve como fuente de inspiración para sus paisajes.

Emilie Flöge nació el 30 de agosto de 1874 en Viena, su hermana Helene estaba casada, con el hermano de Gustav Klimt, Ernest Klimt. Gustav se nombro tutor de la pequeña Helene hija de su hermano tras el fallecimiento de este.

8- Conoce al famoso escultor Auguste Rodin, al que admira por su trabajo del Friso Beethoven.

Auguste Rodin nació en París, es considerado el escultor más importante desde Bernini. Natural de París, donde nació en 1840, su primera obra conocida es el Hombre de la nariz rota, escultura realizada con 24 años y que fue rechazada en el Salón de 1864.

9- En Paris conoce y estudia la obra de Tolouse-Lautrec, con la que descubre el fauvismo, un estilo de pintura basado en las características impresionistas, como por ejemplo, el uso de colores intensos, principalmente el verde.

10- Recibe el primer premio en la Exposición Universal de Roma, con su cuadro Muerte y vida.

11- Muere en 1918, de una apoplejía, tres años después de la muerte de su madre. En su lecho de muerte reclama la presencia de su querida amiga Emilie Flöge.

Las tres edades de la vida (Gustav Klimt)

Identificación

-Las tres edades de la vida.
-Gustav Klimt.
-1905.
-Gallería Nazionale d’Arte Moderna di Roma
-180x180 cm

Lectura formal

-La obra de Gustav Klimt es un óleo sobre tela.

La pintura al óleo se obtiene mediante la combinación de sustancias con aceite para así poder obtener el producto adecuado para pintar.
-Está pintada sobre un formato cuadrado.
-El pintor crea una obra figurativa y a la vez abstracta, debido a que se encuentran, en la parte central del formato cuadrado dos mujeres, una anciana, y otra adulta, en cuyos brazos sujeta un bebé.

La curiosidad de este cuadro, se basa en la desnudez de sus personajes. La anciana, se encuentra en un plano atrás, más secundario con una postura decaída, cabizbaja llevándose la mano izquierda al rostro y el perfil que podemos apreciar, es el derecho. El pelo, de tono grisáceo, recae por su cara.

Tiene una postura curvada, con la espalda sobresaliente y el brazo derecho apoyado sobre la pierna derecha. Se puede apreciar, el desgaste de su cuerpo producido por el paso de los años, las arrugas y la piel colgante, y otros detalles como las manchas en la piel, las venas que se dejan ver con facilidad en los brazos... Se puede apreciar, que esta mujer en su día dio a luz, debido a su vientre más marcado y abultado, pechos descolgados...

La mujer jóven es de tez pálida, delgada, con el pelo rojizo, cuerpo al descubierto tapado, en la parte inferior de sus piernas por una gasa, que proviene del bebé que lleva en brazos. El cual le tapa uno de sus pechos y sus genitales. Su cara, de mejillas sonrosadas esta apoyada en la cabeza del bebé, manteniendo los ojos cerrados y esbozando una leve sonrisa de tranquilidad. El pelo tiene varios ramilletes y flores.

El bebé, yace aparentemente dormido en brazos de la que parece ser su madre. También va desnudo y es de tez pálida, cabellos castaños.

Ambas figuras se encuentran en diferentes fondos, superpuestos, destacando más el de la jóven con el bebe.

La obra parece contener tres niveles, el primero de ellos, la jóven con el bebé, produciendo una sensación de cercanía debido a que sus pies no son visibles, es decir, el borde del cuadro, queda hasta sus tobillos. En segundo lugar, la anciana, situada en un fondo totalmente diferente al de la jóven, más alejada, ya que se puede apreciar el tercer nivel, el cual, está compuesto por una pieza parecida a una valla de madera, de tonos neutros que varian de intensidad, como el gris y el marrón, en su parte inferior; en la parte superior, se puede apreciar, situado de manera horizontal una parte de color oscuro, casi negro, con el borde izquiero redondeado, y a su izquierda una continuación vertical de la valla.

Las formas geométricas de la obra se encuentran en los diferentes fondos.

El fondo de la anciana parece contener flores marchitas de colores cálidos junto con formas geométricas y orgánicas, de tonos negros y blancos.

Las flores son de forma circular. Representando el otoño de la vida. Sin embargo, el fondo de la joven es más alegre, más vivo debido a los colores azules, blancos negros, dorados... que se combinan entre figuras triangulares, ovaladas, espirales...

La parte más importante de la obra podría estar situada en el centro, es decir, la jóven con el bebé y la anciana, con sus respectivos fondos.

Los elementos se encuentran agrupados de manera que quedan en el centro del cuadro, creando una sensación de equilibrio.
En general, Gustav Klimt realiza una combinación entre colores fuertes y apagados; los fuertes quedan asignados a la mujer jóven y el bebé, y los tonos apagados dan color al tercer nivel, el fondo, dando lugar a un contraste de colores. Los colores cálidos son los que forman el fondo de la anciana, y fríos, para la gasa que cae del bebé, situada en la parte inferior del primer nivel, la jóven y el bebé.

La obra parece contener estilo impresionista, debido a que utiliza la estética puntillista, motivos orientales y bizantino a modo de decoración del fondo de las mujeres.

Muchos artistas posteriores se ven inspirados en este estilo de Klimt, el cual, plasman en sus obras.

Lectura contextual

Estilo
La mayoría de las obras de Gustav Klimt estaban marcadas por sus características propias y personales, en las cuales se representa su gran obsesión: el cuerpo femenino, el cual, muestra desnudo, o semidesnudo en sus obras. Fue muy criticado, y lo tacharon de pornográfico, un hecho que afectó negativamente a su carrera, pero, del que más adelante se recupera, y sigue su brillante carrera.

La desnudez es una de las características principales de sus obras, acompañada de figuras estilizadas, jóvenes de tez pálida, cabellos largos de color fuego, oro…

En estas tres obras se puede observar la evolución que sufren las pinturas de Gustav Klimt, respecto a la figura femenina.
-En la primera obra, Nuda Veritas (1899), se refleja a una mujer pelirroja, con flores en el pelo,

desnuda, de tez pálida, con la figura estilizada.

-En la segunda obra, Serpientes acuáticas (1904), se pueden apreciar dos mujeres, pálidas, delgadas, y desnudas, al igual que la primera obra. Se puede apreciar la variación del color de su cabello, es decir, deja de pintar mujeres pelirrojas, para comenzar a pintar mujeres rubias.
-La tercera obra, Adan y Eva (1917) se puede observar una evolución respecto a la mujer, debido a que su figura sigue siendo estilizada, pero sufre un ensanchamiento de caderas más notorio. Sigue teniendo la tez pálida, y una larga melena rubia, ondulada. Se encuentra desnuda, al igual que las anteriores.
Un detalle que se puede apreciar en muchas de sus obras, son las coronas de flores, ramilletes, flores sueltas… Colocadas en el pelo de la mujer.
En gran parte de sus obras, utiliza el pan de oro, debido a que su padre era cincelador de metales nobles, como el oro, la plata…
En los retratos normalmente utilizaba figuras geométricas, como circunferencias, espirales… Y triángulos que, en su interior, contienen figuras circulares, a modo de representar un ojo.

Existe una contraposición entre la más absoluta oscuridad, representada con tonos oscuros, como el negro, tonos ocres… y el estallido de colores vivos como, rojos, oros, verdes…

Klimt se inspiró de una obra anteriormente realizada por Auguste Rodin, llamada Celle qui fut la belle Heaulmière, realizada en 1885, para representar a la anciana de la obra Las tres edades de la vida.
Se puede apreciar cierta similitud, debido a que las dos ancianas representadas, tanto como en la escultura de Rodin y el cuadro de Klimt, se encuentran con una postura similar, cabizbaja, con la espalda encorvada, pechos descolgados, abultamiento del vientre... Y otros detalles como las imperfecciones de la piel, rugosa, desgastada....

Función
El estilo de sus cuadros y predominio de ornamentos responden al estilo modernista de la época, esto se podía apreciar en la arquitectura, el vestuario, cerámica, mobiliario...

Lectura temática
Muchas de sus obras, como por ejemplo El beso, pertenecen al estilo artístico del Simbolismo, ya que utiliza colores fuertes, pasteles, difusiones de color… para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Utilizando este estilo podría pretender expresar su estado de animo, emociones… Y plasmar su mundo de sueños y fantasías.

Gustav Klimt, solía abordar temas relacionados con la muerte

y la vida, los cuales se ven plasmados en esta obra, Las tres

edades de la vida, y en otra, como por ejemplo Muerte y vida.

Comenzó a tratar este tipo de temas, tras la muerte de Ernst, su hremano, en 1892.

Klimt, podría sufrir un miedo, un rechazo hacia la muerte, al envejecimiento... por lo que se insipira y se centra en la burgesía, la cual, vive aparentemente feliz, pero, como siempre, la muerte vencerá, y terminará con sus vidas.

Este tema, es muy utilizado en la pintura de la época medieval.

Gustav Klimt se inspira en la obra de Rodin, para representar la figura anciana, manifestando la admiración hacia el escultor francés, cuando tras la muerte de su hermano Ernst, Klimt retoma su ritmo, y comienza de nuevo a pintar, comenzando con el ciclo vital de los humanos, el cual se convierte en un motivo habitual de sus pinturas alegóricas (al óleo).

En especial, pinta las etapas de la vida de la mujer, ya que es la que más cambios experimenta a lo largo de su vida, como por ejemplo, el embarazo deja en su cuerpo una secuela, a modo de vientre abultado.

La primera representación de este tema se remonta a 1895, cuando
pintó el óleo Amor, sobre una pareja de enamorados a punto de besarse, aparecen rostros de mujer que simbolizan los distintos estados de la vida. En cambio, Las tres edades de la mujer (conocida también como Las tres edades de la vida) abordó el tema directamente.

Conclusión

En mi opinión es una obra bastante interesante, ya que, representa las tres etapas de la vida, por las cuales pasa una mujer, mostrando la evolución y deterioro del cuerpo, la pérdida de la belleza... El cambio en sí que experimenta el cuerpo con el paso del tiempo, comparado con las estaciones del año, el otoño, de flores marchitas y hojas secas, colores cálidos, Gustav Klimt lo atribuye a la vejez de la mujer, en cambio, la primavera, en la cual florecen las flores, se llena todo de color... Gustav Klimt lo atribuye con la etapa de la vida de la mujer y el bebé.

Por otro lugar, me parece un tema bastante actual, la preocupación por el cuerpo, la pérdida de la belleza...

Además de esto, es un cuadro en el que se representa el amor entre la madre y el bebé, de la cual, la anciana queda excluida.